Las 10 obras de arte más controvertidas que cambiaron la historia

niood enumera las 10 obras de arte más controvertidas que cambiaron la historia del arte:

1. Damien Hirst, For the Love of God, 2007

For the Love of God 2007 es un molde de platino de tamaño natural de un cráneo humano del siglo XVIII, cubierto por 8.601 diamantes impecables, insertado con los dientes del cráneo original. En la parte delantera del cráneo hay un diamante rosa de 52,4 quilates. Desde que se exhibió por primera vez en 2007, Por el amor de Dios se ha convertido en una de las obras de arte contemporáneo más reconocidas. Representa el continuo interés del artista por la mortalidad y las nociones de valor.

Esta obra de arte fue muy controvertida y generó muchas polémicas, debido a su enorme costo y uso de una parte del cuerpo humano.

2. Pablo Picasso, Guernica, 1937

Picasso pintó Guernica en su casa de París en respuesta al bombardeo del 26 de abril de 1937 de Guernica, una ciudad del País Vasco en el norte de España que fue bombardeada por la Alemania nazi y la Italia fascista a petición de los nacionalistas españoles. Una vez finalizado, Guernica se exhibió en la exhibición española en la Exposición Internacional de París de 1937, y luego en otros lugares alrededor del mundo. La exposición itinerante se utilizó para recaudar fondos para el alivio de la guerra española. La pintura pronto se hizo famosa y ampliamente aclamada, y ayudó a llamar la atención mundial sobre la Guerra Civil española.

Ya en 1968, Franco había expresado su interés en que Guernica llegara a España. Sin embargo, Picasso se negó a permitir esto hasta que el pueblo español volvió a disfrutar de una república. Posteriormente añadió otras condiciones, como el restablecimiento de “las libertades públicas y las instituciones democráticas”.

3. Marcel Duchamp – Fountain, 1917

Al explicar el propósito de su escultura Readymade, Duchamp afirmó que son “objetos cotidianos elevados a la dignidad de una obra de arte por el acto de elección del artista”. En la presentación de Duchamp, la orientación del urinario se alteró de su posición habitual. La obra es considerada por los historiadores del arte y los teóricos de la vanguardia como un hito importante en el arte del siglo XX.

Para comprender cómo Duchamp logró superar al mundo del arte, es necesario volver al momento en que la difamatoria escultura llegó para ser considerada en la recién formada Sociedad de Artistas Independientes en Nueva York en la primavera de 1917, antes de una exposición que se inaugurará el 10 Abril. Como miembro fundador de la asociación, Duchamp había ayudado a diseñar y articular la ideología de vanguardia de la organización, incluido su compromiso de nunca rechazar una obra presentada por uno de sus miembros. Para probar la sinceridad y la solidez de esos principios, Duchamp entró al urinario bajo una identidad artística asumida – ‘R Mutt’ – sabiendo muy bien que la provocativa pieza dejaría a sus compañeros de la sociedad luchando por su próximo movimiento.

Duchamp observó luego con decepción, si no sorpresa, cuando se sometió a votación la cuestión de si exhibir la pieza, en una violación hipócrita, creía, de la mentalidad abierta ampliamente publicitada de la sociedad. Cuando Fountain fue rechazada por sus compañeros por motivos de crudeza estética, Duchamp encontró su conciencia arrinconada de repente. Sin otro movimiento posible, renunció.

4. Andy Warhol, Campbell’s Soup Cans, 1962

Cuando se exhibió por primera vez, el uso de técnicas de impresión por parte del artista, su elección de estilo y el tema comercial de la obra de arte la colocaron en el centro de discusiones sobre la ética y su validez como obra de arte, ya que su representación de productos comerciales mundanos fue una afrenta directa al expresionismo abstracto. Estas controversias ayudaron a promover a Andy Warhol, transformándolo en el artista pop más conocido a nivel mundial.

5. Andres Serrano, Piss Christ, 1987

Immersion (Piss Christ) es una fotografía de 1987 del artista y fotógrafo estadounidense Andrés Serrano. Representa un pequeño crucifijo de plástico sumergido en un pequeño tanque de vidrio con la orina del artista.

La obra generó una gran controversia basada en las afirmaciones de que era una blasfemia. El mismo Serrano dijo sobre la controversia: “No tenía idea de que Piss Christ recibiría la atención que recibió, ya que no quise blasfemar ni ofender. He sido católico toda mi vida, por lo que soy un seguidor de Cristo”.

6. Guerilla Girls, Do Women have to be naked to get into the Met. Museum?, 1989

Desde su creación en 1984, las Guerrilla Girls han estado trabajando para exponer la discriminación sexual y racial en el mundo del arte, particularmente en Nueva York, y en el ámbito cultural más amplio. Los miembros del grupo protegen sus identidades usando máscaras de gorila en público y asumiendo seudónimos tomados de figuras femeninas famosas fallecidas como la escritora Gertrude Stein (1874-1946) y la artista Frida Kahlo (1907-54).

En 1985, las Guerrilla Girls, que se autodenominaron la “ conciencia del mundo del arte ”, iniciaron una campaña de carteles dirigida a museos, marchantes, comisarios, críticos y artistas que sentían que eran activamente responsables o cómplices de la exclusión de las mujeres y las personas que no lo eran. artistas blancos de las principales exposiciones y publicaciones.

7. Ai Weiwei, Dropping a Han Dynasty Urn, 1995

Artista, pensador y activista Ai Weiwei nació en Beijing en 1957 y creció en circunstancias difíciles. Su padre, el poeta Ai Qing, fue perseguido por el gobierno comunista chino y exiliado a una provincia del lejano oeste. Más tarde fue aclamado como un gran poeta nacional después de la muerte de Mao Zedong en 1976. En 1981, Ai se mudó a Nueva York, donde estudió artes visuales y comenzó a trabajar como artista. También desarrolló una profunda apreciación de los “readymades” de Marcel Duchamp —objetos de uso cotidiano elevados a la categoría de arte— y su crítica implícita de los sistemas de valores culturales. En 1993, al enterarse de que su padre estaba enfermo, regresó a China.

Una de las piezas más famosas de Ai, Dropping a Han Dynasty Urn (1995), incorpora lo que Ai ha llamado un “readymade cultural”. La obra captura a Ai mientras deja caer una urna ceremonial de 2.000 años de antigüedad, lo que le permite estrellarse contra el suelo a sus pies. Este artefacto no solo tenía un valor considerable, también tenía un valor simbólico y cultural. La dinastía Han (206 a. C. – 220 d. C.) se considera un período definitorio en la historia de la civilización china, y romper deliberadamente una forma icónica de esa época equivale a deshacerse de toda una herencia de significado cultural sobre China. [2] Con este trabajo, Ai comenzó su uso continuo de objetos antiguos confeccionados, demostrando su actitud cuestionadora hacia cómo y por quién se crean los valores culturales.

Algunos se sintieron indignados por este trabajo, calificándolo de acto de profanación. Ai respondió diciendo: “El presidente Mao solía decirnos que solo podemos construir un mundo nuevo si destruimos el anterior”. Esta declaración se refiere a la destrucción generalizada de antigüedades durante la Revolución Cultural de China (1966-1976) y a la instrucción de que para construir una nueva sociedad se debe destruir el si jiu (Cuatro Viejos): viejas costumbres, hábitos, cultura e ideas. Al soltar la urna, Ai deja ir las estructuras sociales y culturales que imparten valor.

8. Tracy Emin, My Bed, 1998

My Bed es una obra de la artista inglesa Tracey Emin.

La idea de My Bed se inspiró en una fase sexual pero depresiva en la vida de la artista cuando permaneció en cama durante cuatro días sin comer ni beber nada más que alcohol. Cuando miró el vil y repulsivo desastre que se había acumulado en su habitación, de repente se dio cuenta de lo que había creado. Emin defendió ardientemente My Bed contra los críticos que lo trataron como una farsa y afirmaron que cualquiera podía exhibir una cama deshecha. A estas afirmaciones, el artista respondió: “Bueno, no lo hicieron, ¿verdad? Nadie había hecho eso antes”.

9. Jackson Pollock, Blue Poles or Number 11, 1952

Blue Poles, también conocido como Número 11, 1952 es una pintura expresionista abstracta del artista estadounidense Jackson Pollock. Fue comprado en medio de una controversia por la Galería Nacional de Australia en 1973 y hoy sigue siendo una de las pinturas más importantes de la galería.

La adquisición de Blue Poles, sin embargo, desató una gran controversia en Australia cuando la gente protestó contra el alto precio pagado por ella; de hecho, fue el precio más alto pagado por una pintura estadounidense en ese momento. Los contribuyentes se quejaron de que era una pérdida de dinero y, con pocas excepciones, las respuestas hacia la pintura, la Galería Nacional y el gobierno fueron negativas. Titulares como A Pollock vendido por $ 2 millones, Record for American Painting y ¿Pagarías $ 1,3 millones? ¿para esto? dominaron periódicos y revistas.

10. Édouard Manet, Le Déjeuner sur l’Herbe, 1863

Esta asombrosa composición introdujo un enfoque pictórico completamente nuevo, ya que abarcó los géneros del retrato, el paisaje y la naturaleza muerta en una sola pintura. Es decir, presenta a una mujer desnuda en un picnic con dos hombres completamente vestidos en un entorno rural y un bañista al fondo. Manet produjo esta controvertida obra entre 1862 y 1863 y fue rechazada por el notorio jurado del Salón de París, por lo que el artista la exhibió en el Salon des Refusés.

La pintura causó un gran impacto después de que se exhibió por primera vez y se consideró indecente y vulgar, aunque el escritor y crítico consagrado y contemporáneo de Manet, Émile Zola, defendió la obra.