Las 10 obras de arte más famosas de Andy Warhol

Andy Warhol fue uno de los artistas más prolíficos y populares de su tiempo, utilizando tanto sensibilidades vanguardistas como altamente comerciales.

A fines de la década de 1950, Warhol comenzó a prestar más atención a la pintura y, en 1961, presentó el concepto de “arte pop”, pinturas que se centraban en productos comerciales producidos en masa. En 1962, exhibió las ahora icónicas pinturas de las latas de sopa de Campbell. Estas pequeñas obras de lienzo de productos de consumo cotidiano crearon un gran revuelo en el mundo del arte, y llevaron a Warhol y al arte pop al centro de atención nacional por primera vez. Las otras pinturas pop famosas de Warhol mostraban botellas de Coca-Cola, aspiradoras y hamburguesas. & Nbsp;

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Andy Warhol:

1. Marilyn Diptych, 1962

Warhol hizo sus primeras pinturas de Marilyn Monroe poco después de que el actor muriera de una sobredosis de drogas el 5 de agosto de 1962. Warhol usó una foto publicitaria para su película Niagara de 1953 como imagen original. El uso de dos lienzos contrastantes para Marilyn Diptych ilustra el contraste entre la vida pública de la estrella, que en ese momento era una de las mujeres vivas más famosas, y su yo privado. Ésta no era necesariamente la intención de Warhol. Creó esta obra cuando los coleccionistas de arte Burton y Emily Tremaine visitaron la casa de Warhol. Sugirieron que dos lienzos que él ya había hecho se presentaran como un díptico, a lo que Warhol respondió, ‘vaya sí’.

2. Campbell’s Soup Cans, 1962

Andy Warhol se apropió de imágenes familiares de la cultura del consumidor y los medios de comunicación, entre ellas fotografías de noticias de celebridades y tabloides, tiras cómicas y, en este trabajo, la sopa enlatada que se consume ampliamente hecha por Campbell’s Soup Company. Cuando exhibió por primera vez las latas de sopa Campbell’s en 1962, los lienzos se exhibían juntos en los estantes, como productos en un pasillo de comestibles. En ese momento, Campbell’s vendió 32 variedades de sopa; cada uno de los 32 lienzos de Warhol corresponde a un sabor diferente. (El primer sabor que introdujo la empresa, en 1897, fue el tomate).

3. Cow Series, 1966

“¿Por qué no pintas algunas vacas?”, Fue la sugerencia del marchante de arte Ivan Karp. En consecuencia, Warhol comenzó su serie de serigrafías de vacas. Warhol recordó que “cuando él [Ivan] vio las enormes cabezas de vaca – rosa brillante sobre un fondo amarillo brillante – que iba a convertir en papel tapiz, se sorprendió”. Este fue el primero de varios diseños de papel tapiz que creó Warhol. La repetición en el papel tapiz es una extensión de su fascinación por la imagen repetida en sus pinturas. Warhol colgó pinturas en su vibrante papel tapiz de vaca en su retrospectiva de 1970 en el Whitney Museum of American Art: una idea con la que continuaría en exposiciones como su exposición de 1974 en París de retratos del presidente Mao en papel tapiz de Mao.

4. Mao Series, 1972

La interpretación de Andy Warhol de Mao resultó en el desarrollo de un portafolio que contenía 10 retratos de colores brillantes que ilustraban la profunda fascinación de Warhol por el choque de imágenes entre los trucos publicitarios comunistas y el kitsch estadounidense. Al crear una versión glamurosa de Mao, Warhol pudo transformar una imagen misteriosa e intimidante de una figura política poderosa en un ícono pop glamoroso de la década de 1970, que recordaba las obras anteriores de Warhol.

5. Dollar Sign, 1981

Warhol no solo reconoció abiertamente que amaba el dinero (proveniente de una familia pobre en la industria de Pittsburgh), sino que también amaba dibujarlo y pintarlo. A principios de la década de 1960, representó billetes de un dólar y luego, en 1981, volvió a las imágenes y completó toda una serie de dibujos y pinturas del signo del dólar. Este es uno de los más grandes de estos cuadros. La imagen está serigrafiada sobre el lienzo blanco, pero se basa en un dibujo con rotulador y tinta que había hecho el propio Warhol. Incluso se han conservado las salpicaduras de tinta.

6. Flowers Series, 1964

Warhol comenzó a trabajar en su serie Flowers en el verano de 1964, y pronto decidió que sería el foco de su primer programa con Leo Castelli en el otoño de ese año. Para la exposición de Castelli, trabajó en lienzos cuadrados de 48 y 24 pulgadas. Para su siguiente exposición, en la Galería Sonnabend de París en la primavera de 1965, incluyó tamaños adicionales: cuadrados de 14, 8 y 5 pulgadas. El formato cuadrado permitió a Warhol completa libertad de orientación. Por primera vez, sus obras no tenían montantes fijos, lo que permitió que las Flores se instalaran de diversas formas. Otro aspecto único de esta serie son las diferentes técnicas y medios que exploró, incluida la serigrafía, el lápiz, los acrílicos pintados a mano y la pintura fluorescente Day-Glo. Eykyn Maclean incluyó ejemplos de cada uno de estos tamaños y técnicas para rastrear mejor los matices del desarrollo dentro de esta importante serie. También se incluyó la única pancarta superviviente (una pintura de Flores sobre tela roja) que Warhol hizo para la inauguración en 1965 de la Librería Peace Eye de la ciudad de Nueva York.

7. Camouflage Series, 1986

El camuflaje está diseñado específicamente para integrarse en su entorno, pero el patrón también está fuertemente asociado con las fuerzas armadas. La paradoja de un disfraz que también es un emblema reconocible puede haber atraído la preocupación de Warhol por las marcas y los logotipos. Reproducir el patrón no representativo también se conectó con su interés de larga data por la pintura expresionista abstracta. En esta serie de reelaboraciones coloridas, se borra la función del camuflaje. En el panel más a la derecha, el patrón se vuelve patriótico simulado, en rojo, blanco y azul.

8. Banana, 1967

En marzo de 1967, Velvet Underground lanzó su álbum debut, The Velvet Underground and Nico, con la portada de Andy Warhol’s Banana. En marzo de 2012, el propio Banana se convirtió en objeto de una batalla legal sobre si la imagen era más sinónimo del artista o del grupo Rock. Cuarenta y cinco años después de su primera aparición, el plátano sigue siendo una de las imágenes más populares y ahora controvertidas del artista. El propio Warhol ejecutó dos versiones del Banana; una como la portada del LP de 11 x 11 pulgadas, la primera versión de la cual tenía una piel amarilla pelable superpuesta sobre un plátano rosa acompañado de la frase “Pelar lentamente y ver”. Warhol también produjo Banana (1966) una serigrafía de edición a mayor escala (ver Feldman y Schellman II.10), también con una piel removible.

9. Gun, 1981-1982

La muerte surgió como un tema distintivo en el trabajo de Warhol en la década de 1960, con sus retratos de Marilyn Monroe y la serie ‘Muerte y desastre’. Sus temores de morir aumentaron en 1968 cuando Valerie Solanas le disparó y le hirió de gravedad. La pistola que se muestra aquí es similar a la pistola .22 de punta chata que usó. Aproximadamente al mismo tiempo que pintaba armas, Warhol también estaba haciendo una serie de dibujos de cuchillos. De hecho, la primera idea fue mostrarlos juntos, junto con algunas pinturas con signos de dólar, en la Galería Leo Castelli de Nueva York en enero de 1982.

10. Green Coca-Cola Bottles, 1962

Green Coca-Cola Bottles se creó el año en que Andy Warhol desarrolló su técnica pionera de la serigrafía, que le permitió producir sus pinturas a través de un proceso mecánico que era paralelo a su uso de temas de cultura de masas. Aquí, la imagen de una sola botella de Coca-Cola se repite en filas regulares, siete de alto por dieciséis de ancho, sobre el logotipo de la empresa. Las imágenes repetitivas y el formato estandarizado evocan el aspecto de la reproducción mecánica, pero los contornos negros probablemente fueron estampados a mano a partir de un solo bloque de madera tallado en áreas verdes impresas en un patrón de cuadrícula. Esto engendra sutiles diferencias en el patrón de la obra; cada una de las botellas difiere tanto en la uniformidad de la pintura base verde como en la claridad de su perfil estampado. Las botellas también suelen estar ligeramente torcidas, lo que perturba la regularidad general de la cuadrícula y las hace parecer simultáneamente hechas a mano e individualizadas, aerodinámicas y producidas en masa. A su manera inexpresiva e irónica, Warhol criticó y glorificó a la vez los ídolos consumistas y los valores superficiales de la cultura de posguerra saturada de medios de Estados Unidos. “Una Coca-Cola es una Coca-Cola”, explicó, “y ninguna cantidad de dinero puede conseguir una Coca-Cola mejor que la que está bebiendo el vagabundo de la esquina”.