Las 10 obras de arte más famosas de David Hockney

David Hockney, nacido el 9 de julio de 1937 en Bradford, Reino Unido, es un retratista y paisajista, dibujante, grabador, decorador, fotógrafo y teórico del arte británico.

Es una figura importante del movimiento del arte pop de la década de 1960 y del hiperrealismo, y uno de los pintores británicos más influyentes del siglo XX.

Utilizando colores brillantes y llamativos, David Hockney pinta retratos y paisajes que combinan pintura y fotografía.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de David Hockney:

1. Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972)

La película de Jack Hazan A Bigger Splash ayudó a hacer de Retrato de un artista una de las pinturas mejor documentadas de David Hockney. El rodaje de la película comienza en el verano de 1971, unos meses antes de que Hockney emprenda la obra. Termina con las últimas pinceladas de Retrato de un artista, unos días antes de su exposición en la Galería André Emmerich de Nueva York, en mayo de 1972. La película de Hazan, que hace de esta obra el meollo de un drama sentimental, ha contribuido durante mucho tiempo a restringiendo su exégesis solo a su dimensión narrativa. El retrato de un artista está ciertamente relacionado con la ruptura de David Hockney con Peter Schlesinger. Esta ruptura es, sin embargo, sólo el pretexto para una meditación sobre las relaciones entre el arte y la vida.

2. The Splash (1966)

A Bigger Splash es una imagen promocional perfecta de California, un boceto de los símbolos de su forma de vida, de los clichés de su decoración. Un cielo perfectamente puro, casas bajas y modernas, abiertas de par en par, palmeras con cimas altas encaramadas y, por supuesto, piscinas, más piscinas… Una silla de “productor” nos recuerda por su presencia que Hollywood no está lejos. Tal síntesis no surgió así constituida del pincel de Hockney. Dos pinturas de 1966 anuncian A Bigger Splash The Little Splash, el primero de la serie, dibuja una piscina con formas aún curvilíneas. Muestra una casa, cuyo techo inclinado sacrifica más a la nostalgia que a las leyes locales de lluvia. The Splash, el mismo año, esta vez somete la piscina al rigor de la ortogonalidad. La distancia de un paisaje, la perspectiva de un pedestal para la escultura moderna, ahueca aún más un espacio que el Bigger Splash aplastará violentamente. Como única sugerencia de un espacio profundo, A Bigger Splash solo conserva la línea de un trampolín, trazada en diagonal. Solo, o casi, las hojas de una palmera la distinguen de una obra de Près Mondrian. Para asegurar la planitud de sus zonas coloreadas, Hockney llega a abandonar sus pinceles en favor del rodillo.

3. Man in Shower in Beverly Hills (1964)

Esta pintura incluye algunos de los temas favoritos del artista: el agua en movimiento, la cortina, escenas domésticas e imágenes homoeróticas. El motivo de la cortina (en particular, su planitud y similitudes con una pintura) había interesado a Hockney durante varios años. La fuente de la figura es una fotografía tomada por el Athletic Model Guild, que se especializó en desnudos masculinos; la figura también tiene similitudes con varios imágenes en Physique Pictorial. Hockney había tenido la intención desde el principio de agregar la planta de primer plano pero, al tener dificultades con los pies, dobló las hojas para cubrirlas. Comenzó a pintar en acrílico durante esta primera visita a Los Ángeles, cuando el color más que la textura era su principal preocupación.

4. Model with Unfinished Self-Portrait (1977)

La obra presenta magníficos colores y un brillante dominio de la perspectiva (especialmente en los cortinajes de la prenda de la modelo).

5. Nichols Canyon (1980)

Hockney ha creado una composición fauvista que deleita los sentidos. La técnica utilizada para crear esta pintura asegura que su elección de tono no se pueda malinterpretar. Cada matiz permanece bastante puro, reflejando la vívida escena que el pintor ve tanto ante él como en su mente.

Nichols Canyon se fabricó en 1980. David Hockney es quizás el artesano vivo inglés más importante de la actualidad. La fuerza de cada espléndido trazo del pincel requiere consideración, lo que hace que la mirada deambule por todo el lienzo.

El fauvismo fue el primero de los desarrollos de vanguardia que prosperaron en Francia a principios del siglo XX. Aparentemente rebeldes en su creación, los pintores fauve decidieron que el impresionismo no les permitiría expresarse.

6. Pearblossom Hwy., 11 – 18th April 1986, #2 (1986)

Hockney creó Pearblossom Highway durante varios días mientras estaba en California. Tomó muchas fotografías de una vista en la famosa ruta 138, Antelope Valley.

La obra de arte resultante es una imagen del paisaje estadounidense desde la perspectiva del conductor y del pasajero. El punto de vista de la derecha representa a qué prestaría atención un conductor mientras conduce a lo largo de ese tramo; las señales de tráfico, la escritura en la propia carretera, el destino construido en la distancia, todas las cosas que un conductor atento consideraría.

En el lado izquierdo de la pieza está la vista desde el lado del pasajero. Hockney elude el hecho de que un pasajero es un observador más pausado y se fija en el paisaje, los árboles y la basura en la carretera.

El pasajero no tiene que prestar atención a las señales de tráfico y el conductor no tiene tiempo para admirar la vista. La composición también juega con la perspectiva a través de la ampliación de objetos más cercanos. Esta técnica enfatiza aún más los diferentes puntos de vista involucrados.

7. American Collectors (Fred and Marcia Weisman) (1968)

A mediados de la década de 1970, Marcia y Frederick optaron por poner fin a su matrimonio, sin embargo, siguieron siendo queridos compañeros y a lo largo de los años se sumaron al desarrollo de las generosas acumulaciones de artesanía de cada persona.

En la pintura, cada uno de ellos parece cercano a las obras de arte y al elegir que reflejen las piezas, el artista puede mostrar su dedicación a su propósito.

En los años 70, el uso del realismo por parte de Hockney en su obra de arte se intensificó, pero ninguna de sus pinturas parecía una fotografía, aunque utilizó las fotos como referencias. Su trabajo no se transformó en fotorrealismo. Tampoco parecía estirado ni anticuado. Echando un vistazo a las composiciones de este período y además a los dibujos en tinta poco comunes y directos que el artista ha realizado a lo largo de los años, parece que su interés por el realismo no es nuevo y siempre se ha manifestado en su arte.

8. Garden (2015)

Con su distintiva terraza azul al fondo y la piscina en el centro, Garden 2015 es instantáneamente reconocible como el propio jardín de Hollywood de Hockney. Los cactus que ocupan el primer plano del cuadro hacen del jardín un paraíso de vida y color en medio de la sequía que se apoderó de California en el momento de pintar. Los acrílicos brillantes capturan la vitalidad de su casa en Los Ángeles, explorada por el artista desde diferentes puntos de vista a lo largo de muchos años de su impresionante carrera.

9. Self Portrait with Red Braces (2003)

Lo más destacado de esta pieza son sus monos rojos, o como le gusta llamarlos “tirantes”.

10. Mr and Mrs Clark and Percy (1971)

La pintura en sí es de dos de los amigos de Hockney: un famoso diseñador de moda llamado Ossie Clark y un diseñador textil que era su entonces esposa Cecilia Birtwell.

Un poco de información de fondo sobre esta pintura sería que esta pintura se acaba de pintar después de la boda de la pareja a la que Hockney no solo asistió, sino que también fue el padrino de Clark.