Las 10 obras de arte más famosas de Henri Matisse

Henri Émile Benoît Matisse fue un artista francés, conocido tanto por su uso del color como por su dibujo fluido y original. Fue dibujante, grabador y escultor, pero se le conoce principalmente como pintor. Matisse es comúnmente considerado, junto con Pablo Picasso, como uno de los artistas que mejor ayudó a definir los desarrollos revolucionarios en las artes visuales a lo largo de las primeras décadas del siglo XX, responsable de desarrollos significativos en pintura y escultura.

Su dominio del lenguaje expresivo del color y el dibujo, que se muestra en una obra que abarca más de medio siglo, le valió el reconocimiento como una figura destacada del arte moderno.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Henri Matisse:

1. La Danse (1910)

Matisse creó Dance (I) como un estudio para un cuadro encargado por el empresario ruso y mecenas Sergei Shchukin. La obra final y su pintura colgante, * Música ((ambas terminadas en 1910), se encuentran en la colección del Museo del Hermitage en San Petersburgo. La danza (I) marca un momento en la carrera de Matisse cuando adoptó un enfoque reductivo de la pintura , buscando las potencialidades expresivas de elementos fundamentales: línea, color y forma.

Este atrevido enfoque fue influenciado por la creciente sofisticación de la tecnología fotográfica. En 1909, el artista observó: “El pintor ya no tiene que preocuparse por los detalles. La fotografía está ahí para representar la multitud de detalles cien veces mejor y más rápidamente. La forma plástica presentará la emoción de la manera más directa posible y por los medios más simples “. A través de este lienzo monumental, Matisse usó solo cuatro colores naturalistas: azul para el cielo, verde para el suelo y negro y rosa pálido para representar las cinco figuras. Aunque hizo ajustes en la composición, las líneas finales de Matisse transmiten una fluidez notable y una sensación de movimiento dinámico en su aplicación económica, en la curva de barrido a lo largo del lado frontal de la figura izquierda, por ejemplo, y a lo largo de los brazos extendidos de los bailarines como se unen en una expresión de alegría sin obstáculos.

2. The Joy of Life – Le bonheur de vivre (1906)

Durante sus años fauvistas, Matisse a menudo pintaba paisajes en el sur de Francia durante el verano y elaboraba ideas que allí se desarrollaban en composiciones más amplias a su regreso a París. Joy of Live, la segunda de sus importantes composiciones imaginarias, es típica de ellas. Usó un paisaje que había pintado en Collioure para proporcionar el escenario del idilio, pero también está influenciado por ideas extraídas de Watteau, Poussin, grabados en madera japoneses, miniaturas persas e imágenes orientalistas de harenes del siglo XIX. La escena está formada por motivos independientes dispuestos para formar una composición completa. La pintura masiva y sus colores impactantes recibieron críticas mixtas en el Salon des Indépendants. Los críticos notaron su nuevo estilo: amplios campos de color y figuras lineales, un claro rechazo del célebre puntillismo de Paul Signac.

3. The Red Studio (1911)

“De dónde obtuve el color rojo, sin duda, no lo sé”, comentó Matisse una vez. “Encuentro que todas estas cosas … sólo se convierten en lo que son para mí cuando las veo junto con el color rojo”. Esta pintura presenta una pequeña retrospectiva de la pintura, escultura y cerámica recientes de Matisse, exhibida en su estudio. Las obras de arte aparecen en color y en detalle, mientras que la arquitectura y el mobiliario de la habitación están indicados solo por huecos negativos en la superficie roja. El eje central de la composición es un reloj de pie sin manecillas, es como si, en el oasis del estudio del artista, el tiempo estuviera suspendido.

4. Blue Nude (1907)

The Blue Nudes es una serie de litografías en color de Henri Matisse realizadas a partir de recortes que representan figuras desnudas en varias posiciones. Restringido por su condición física después de su cirugía de cáncer de estómago, Matisse comenzó a crear arte cortando y pintando hojas de papel a mano y supervisó la creación de las litografías hasta su muerte en 1954.

Blue Nude IV, el primero de los cuatro desnudos, tomó un cuaderno de estudios y dos semanas de trabajo de corte y arreglo antes de que el artefacto resultante lo satisficiera. En el evento, Matisse finalmente llegó a su pose favorita, para los cuatro trabajos: piernas entrelazadas y un brazo que se estira detrás del cuello. La postura de la mujer desnuda es como la postura de varios desnudos sentados realizados en los primeros años de la década de 1920, en última instancia, la postura deriva de las figuras reposadas de Le bonheur de vivre. El segundo de la serie, Blue Nude II, se completó en 1952.

A pesar de la planitud del papel, los recortes reflejan las esculturas anteriores de Matisse en su calidad tangible de relieve, especialmente la sensación de volumen creada por la superposición de los recortes. Blue Nude I, en particular, se puede comparar con esculturas como La Serpentine, de 1909.

El color azul significaba distancia y volumen para Matisse. Frustrado en sus intentos de casar con éxito los tonos dominantes y contrastantes, el artista se sintió impulsado a usar losas sólidas de un solo color al principio de su carrera, una técnica que se conoció como fauvismo. Los recortes pintados al aguada que componen los Desnudos Azules se inspiraron en la colección de esculturas africanas de Matisse y su visita a Tahití, en 1930. Necesitó otros veinte años y un período posoperatorio de incapacidad, antes de que Matisse sintetizara esas influencias africanas y polinesias. en esta serie seminal.

5. Bathers by a River (1917)

Bathers by a River, de 8 pies por 12 pies, combina un extremo de abstracción con imágenes figurativas legibles. A lo largo de los años, Matisse lo cambia de una escena de playa liviana de color pastel a un exótico Edén, un ícono gigantesco con cuatro semidiosas delineadas contra una fila de amplios paneles verticales planos, con un siniestro, ¿o es benigno? – serpiente blanca que asoma la cabeza desde el fondo del lienzo. Sentimos algo intensamente simbólico, pero Matisse no siente la necesidad de explicar la iconografía.

6. Luxe, Calme et Volupte (1904)

Matisse hizo este cuadro en el sur de Francia, en la ciudad de Saint-Tropez, mientras estaba de vacaciones con familiares y amigos. Creó las formas en la pintura —las figuras humanas, árbol, arbusto, mar y cielo— a partir de manchas de color aplicadas con pinceladas rápidas, firmes y repetidas con las que construyó el cuadro. Matisse favoreció los trazos de color discretos que enfatizaban la superficie pintada sobre la representación naturalista de una escena. También utilizó una paleta de colores primarios puros y de tonos altos para representar el paisaje y delineó las figuras en azul. La pintura toma su título, que significa “Riqueza, calma y placer”, de un verso del poeta del siglo XIX Charles Baudelaire, y comparte el tema del poema: escapar a un refugio imaginario y tranquilo.

Matisse, que no estaba interesado en el conflicto y la política, dijo una vez: “Lo que sueño es un arte de equilibrio, de pureza y serenidad, desprovisto de temas preocupantes o deprimentes”. El equilibrio y la serenidad que buscó en esta pintura temprana se mantendrán constantes en su trabajo durante el resto de su carrera.

7. The Open Window, Collioure (1905)

La ventana abierta de Matisse, Collioure es un icono del modernismo temprano. Una obra pequeña pero explosiva, se celebra como una de las pinturas tempranas más importantes de la llamada escuela fauve, un grupo de artistas, entre ellos André Derain, Maurice de Vlaminck y Georges Braque, que surgió en 1904. Las pinturas fauve son se distingue por una sorprendente paleta de colores saturados, sin mezclar y amplias pinceladas. El efecto es de espontaneidad, aunque las obras revelan una asimilación calculada de técnicas del postimpresionismo y el neoimpresionismo. Open Window representa el comienzo mismo de la nueva forma en el arte de Matisse. Fue pintado en Collioure, una pequeña ciudad en la costa mediterránea de Francia a la que Matisse viajó con Derain en el verano de 1905.

8. Woman in a Purple Coat (1937)

Lydia Delectorskaya, modelo de Matisse para Mujer con abrigo morado y enfermera en sus últimos años, huyó a Francia desde Rusia durante la revolución de 1917. A diferencia de los otros modelos de Matisse, ella tenía el pelo largo y rubio, ojos azules y piel clara. Matisse dijo que tenía “el aspecto de una princesa de hielo”.

Cuando sus caminos se cruzaron en Niza, Francia, Matisse era un artista muy conocido. Según los informes, nunca le pidió a Lydia que posara desnuda, lo que ella agradeció. Durante un breve conflicto con la esposa de Matisse en el que acusó a Matisse de tener un romance con Lydia, la modelo fue despedida. Sin embargo, cuando su Amélie lo dejó poco después, Matisse volvió a contratar a Lydia como asistente en su estudio.

El abrigo púrpura vivo con el contorno negro hace que la mujer se levante de la chaise longue. Esto también le da a la pieza un aspecto tridimensional, como si Lydia pudiera levantarse y alejarse en cualquier momento. Se dice que está modelando un exótico disfraz marroquí, Lydia lleva un abrigo morado, un collar amarillo llamativo y zapatos azules puntiagudos. Ella descansa sobre una suntuosa almohada o manta amarilla y debajo de su abrigo lleva una blusa blanca de aspecto más europeo y una falda verde.

9. Woman with a Hat (1905)

Exhibida por primera vez en el Salón de Otoño de 1905 en París, Mujeres con sombrero (Femme au chapeau) estuvo en el centro de la controversia que llevó al bautizo del primer movimiento de arte moderno del siglo XX: el fauvismo. El término fauve (“bestia salvaje”), acuñado por un crítico de arte, se asoció para siempre con los artistas que exhibían sus lienzos de colores brillantes en la galería central (apodada la jaula central) del Grand Palais.

Femme au chapeau marcó un cambio estilístico de las pinceladas reguladas del trabajo anterior de Matisse a un estilo individual más expresivo. Su uso de colores no naturalistas y pinceladas sueltas, que contribuyeron a una calidad incompleta o “inacabada”, pareció impactante para los espectadores del día.

La esposa del artista, Amélie, posó para este retrato de medio cuerpo. Se la representa con un elaborado atuendo con atributos clásicos de la burguesía francesa: un brazo enguantado que sostiene un abanico y un elaborado sombrero encaramado sobre su cabeza. Sin embargo, los tonos vibrantes de su traje son puramente expresivos; Cuando se le preguntó sobre el tono del vestido que Madame Matisse estaba usando cuando posó para el retrato, la artista supuestamente respondió: “Negro, por supuesto”.

10. Goldfish and Palette (1914)

De los varios sujetos de naturaleza muerta de Matisse, pocos fueron más productivos que el de los peces de colores. En su obra de la adolescencia ocupan un lugar análogo al de la odalisca reclinada de los años veinte. Los cuerpos lánguidos y fluidos de estos dos motivos provocaron, sin embargo, resultados pictóricos bastante diferentes, dadas las sucesivas etapas de su desarrollo. Esta asociación iconográfica se hace explícita. Y en el nivel del inconsciente, ¿no podemos ver en este tema, el contraste entre un mundo acuoso y uno atmosférico, un desarrollo marginal del motivo de la Venus Anadyomene que es obvio en ambas versiones de Le Luxe?