Las 10 obras de arte más famosas de Leonardo da Vinci
De la Mona Lisa a la Última Cena al Hombre de Vitruvio a Salvator Mundi...
Leonardo da Vinci (15 de abril de 1452 – 2 de mayo de 1519) fue un erudito italiano del Alto Renacimiento que se desempeñó como pintor, dibujante, ingeniero, científico, teórico, escultor y arquitecto. Si bien su fama inicialmente se basó en sus logros como pintor, también se hizo conocido por sus cuadernos, en los que hacía dibujos y notas sobre una variedad de temas, que incluían anatomía, astronomía, botánica, cartografía, pintura y paleontología.
El genio de Leonardo personificó el ideal humanista del Renacimiento, y sus obras colectivas componen una contribución a las generaciones posteriores de artistas igualada solo por la de su contemporáneo más joven, Miguel Ángel.
Leonardo se encuentra entre los más grandes pintores de la historia del arte y, a menudo, se le atribuye el mérito de ser el fundador del Alto Renacimiento. A pesar de tener muchas obras perdidas y menos de 25 obras importantes atribuidas, incluidas numerosas obras inacabadas, creó algunas de las pinturas más influyentes del arte occidental.
niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Leonardo Da Vinci:
1. Mona Lisa (c. 1503–19)
La Mona Lisa es una pintura al óleo del artista, inventor y escritor italiano Leonardo da Vinci. Probablemente terminada en 1506, la pieza presenta un retrato de una mujer sentada frente a un paisaje imaginario.
Representada de manera similar a las representaciones renacentistas de la Virgen María, la pieza presenta una figura femenina, que la mayoría cree que es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de telas y seda Francesco Giocondo, de cintura para arriba. Se la muestra sentada en una logia o en una habitación con al menos un lado abierto.
Detrás de ella hay un paisaje nebuloso y aparentemente aislado imaginado por la artista y pintado con sfumato, una técnica que da como resultado formas “sin líneas ni bordes, a modo de humo o más allá del plano de enfoque”.
Su mirada es otra parte fascinante de la composición. Muchos creen que sus ojos te siguen a través de la habitación, lo que la convierte en una participante activa cuando se la ve, en lugar de permanecer como un objeto para mirar.
Además de su apariencia misteriosa, su expresión ha resonado con más fuerza entre los historiadores del arte por su posible simbolismo, ya que muchos creen que es una inteligente “representación visual de la idea de felicidad sugerida por la palabra ‘gioconda’ en italiano”.
Una de las razones más populares del atractivo mundial de la Mona Lisa es su sonrisa. Da Vinci usó la ilusión óptica para crear una sonrisa única a través del trabajo de perspectiva y sombras. Da Vinci pintó la Mona Lisa de tal manera que los ojos de la Mona Lisa caen directamente en el foco del espectador, mientras que los labios caen justo debajo de la periferia de la visión.
La expresión facial le da a la imagen una cualidad desconcertante y hace que el espectador pregunte qué pensó la modelo, quién era y por qué parece feliz y triste para algunos.
2. La Última Cena (c. 1495–98)
La Última Cena es la interpretación visual de Leonardo de un evento narrado en los cuatro Evangelios (libros del Nuevo Testamento cristiano). La noche antes de que Cristo fuera traicionado por uno de sus discípulos, los reunió para comer, decirles que sabía lo que venía y lavarles los pies (gesto que simboliza que todos eran iguales ante los ojos del Señor). Mientras comían y bebían juntos, Cristo les dio a los discípulos instrucciones explícitas sobre cómo comer y beber en el futuro, en memoria de él. Fue la primera celebración de la Eucaristía, un ritual que aún se realiza.
Específicamente, La Última Cena describe los siguientes segundos en esta historia después de que Cristo lanzó la bomba de que un discípulo lo traicionaría antes del amanecer, y los doce han reaccionado a la noticia con diferentes grados de horror, ira y conmoción.
3. Vitruvian Man (c. 1490)
El dibujo, realizado a pluma y tinta sobre papel, muestra una figura masculina en dos posiciones superpuestas con brazos y piernas separados y simultáneamente inscrito en un círculo y un cuadrado. La relación proporcional de las piezas refleja el diseño universal. Y un equilibrio “médico” de elementos asegura una estructura estable. Por tanto, estas cualidades son compartidas por igual por la creación del cuerpo humano por parte de Dios y la propia producción de un buen edificio por parte del ser humano.
Esta imagen proporciona un ejemplo perfecto del gran interés de Leonardo por las proporciones.
4. Self Portrait (c. 1490/1515–16)
El retrato de un hombre con tiza roja (c. 1510) en la Biblioteca Real de Turín es ampliamente aceptado, aunque no universalmente, como un autorretrato de Leonardo da Vinci. Se cree que Leonardo da Vinci dibujó este autorretrato alrededor de los 60 años.
El retrato se ha reproducido extensamente y se ha convertido en una representación icónica de Leonardo como un erudito u “Hombre del Renacimiento”. A pesar de esto, algunos historiadores y académicos no están de acuerdo en cuanto a la verdadera identidad del modelo.
5. La Virgen de las Rocas (c. 1483–86)
La Virgen de las Rocas (italiano: Vergine delle rocce), a veces la Virgen de las Rocas, es el nombre de dos pinturas del artista renacentista italiano Leonardo da Vinci, del mismo tema, con una composición idéntica excepto por varios significantes detalles.
Ambos cuadros muestran a María y el niño Jesús con el niño Juan Bautista y un ángel Uriel, en un entorno rocoso que da a los cuadros su nombre habitual. Las diferencias compositivas significativas están en la mirada y la mano derecha del ángel. Hay muchas formas menores en las que se diferencian las obras, incluidos los colores, la iluminación, la flora y la forma en que se ha utilizado el sfumato. Aunque la fecha de una comisión asociada está documentada, se desconocen las historias completas de las dos pinturas, lo que lleva a especular sobre cuál de las dos es anterior.
6. Head of a Woman (1500–10)
Este retrato inacabado de una joven con el pelo despeinado (de ahí su sobrenombre, scapigliata) es principalmente un dibujo a pincel con algo de pigmento, su tratamiento es similar a otras obras incompletas del artista. Sin embargo, el contraste entre lo esquemático del cabello y el cuello y el modelado refinado del rostro debe ser intencional. Sugiere que Leonardo se inspiró en un pasaje (muy conocido durante el Renacimiento) del antiguo autor romano Plinio el Viejo. Plinio comentó que el gran artista Apeles dejó incompleta su última representación de la Venus de Cos y que, no obstante, la obra fue más admirada que su primera pintura terminada de la diosa.
7. La dama del armiño (c. 1489–91)
La dama del armiño, también conocida como Retrato de Cecilia Gallerani, fue un precursor de la Mona Lisa en la forma en que retrata la mística de una mujer de una manera elegante.
Uno de los aspectos más curiosos del cuadro es la repetición entre mujer y bestia: en su palidez y rasgos puntiagudos el armiño entrega una imagen especular de su dueño, aunque su musculatura claramente lo marca como masculino. Los velos transparentes que cubren la cabeza de Cecilia crean capas más literales de ofuscación. Es una imagen envuelta en misterio.
El armiño acunado en los brazos de Cecilia Gallerani ilustra el interés persistente y la afinidad de Leonardo por los animales: tanto el poder y la complejidad de sus anatomías como su fuerza emblemática. Dibujó caballos al galope, el andar de un oso, patas de perro y pájaros en vuelo.
8. Salvator Mundi (c. 1500)
Salvator Mundi (en latín, “Salvador del mundo”) es una pintura atribuida total o parcialmente al artista italiano del Alto Renacimiento Leonardo da Vinci, que data de c. 1499-1510.
La pintura representa a Jesús con un traje renacentista azul anacrónico, haciendo la señal de la cruz con su mano derecha, mientras sostiene un orbe de cristal transparente y no refractante en su izquierda, señalando su papel como Salvator Mundi y representando la ‘esfera celeste’ de los cielos.
La pintura fue vendida en una subasta por 450,3 millones de dólares el 15 de noviembre de 2017 por Christie’s en Nueva York al príncipe Badr bin Abdullah, estableciendo un nuevo récord para la pintura más cara jamás vendida en una subasta pública.
9. Ginevra de’ Benci (c. 1474/78)
La piel blanca tiza impecable, los rasgos finos de la porcelana y una expresión reservada y algo impenetrable reflejan el refinamiento de Ginevra de ‘Benci, de 16 años. Como la mayoría de los sujetos de retratos del Renacimiento, ella provenía de una familia adinerada y educada.
La apariencia marmórea de su tez, alisada con la propia mano de Leonardo, está enmarcada por los rizos ondulados de su cabello. Esto contrasta maravillosamente con el halo de púas del enebro. Leonardo cubrió el fondo de este retrato con un fino velo de niebla conocido como sfumato; esto se crea con esmaltes de aceite superpuestos. Aunque Leonardo no creó este efecto, se vuelve conocido por su hábil uso.
10. La Virgen y el Niño con Santa Ana (c. 1503–19)
La Virgen y el Niño con Santa Ana es una pintura al óleo inacabada de c. 1503 por el artista renacentista italiano Leonardo da Vinci que representa a Santa Ana, su hija la Virgen María y el Niño Jesús. Se muestra a Cristo luchando con un cordero de sacrificio que simboliza su Pasión mientras la Virgen intenta contenerlo.
