Las 10 obras de arte más famosas de Pablo Picasso

Pablo Picasso fue un artista español nacido en Málaga el 25 de octubre de 1881, fallecido el 8 de abril de 1973 en Mougins, enterrado en el parque del Château de Vauvenargues, Bouches du Rhône. Es mejor conocido por sus pinturas y es uno de los principales artistas del siglo XX. Es, junto a Georges Braque, el fundador del movimiento cubista. Pablo Picasso (1916) Su nombre completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispin Crispiniano de la Sentissima Trinidad Ruiz Picasso. El padre de Picasso, Don José Ruiz y Blanco, fue pintor y profesor de dibujo en la escuela malagueña “San Telmo”. También es conservador del museo municipal, procedente de una antigua y respetada familia de la provincia de León, en el noroeste de España, la madre de Picasso, Doña María, es originaria de Andalucía y de origen árabe.

Picasso comenzó a pintar a una edad temprana y realizó sus primeros cuadros a los ocho años. En 1896 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Firmando primero con el nombre de su padre, Ruiz Blanco, finalmente eligió usar el nombre de su madre, Picasso, de 1901.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Pablo Picasso:

1. Le Reve, 1932

Le Rêve (El sueño en francés) es una pintura al óleo de 1932 (130 × 97 cm) de Pablo Picasso, entonces de 50 años, que retrata a su amante de 24 años, Marie-Thérèse Walter. Se dice que fue pintado en una tarde, el 24 de enero de 1932. Pertenece al período de representaciones distorsionadas de Picasso, con sus contornos simplificados y colores contrastados que se asemejan al fauvismo temprano.

El contenido erótico de la pintura se ha observado repetidamente, y los críticos señalan que Picasso pintó un pene erecto, presumiblemente simbolizando el suyo, en la cara vuelta hacia arriba de su modelo.

2. Guernica, 1937

Probablemente la obra más famosa de Picasso, & nbsp; Guernica & nbsp; es sin duda su declaración política más poderosa, pintada como una reacción inmediata a la devastadora práctica de bombardeo casual de los nazis en la ciudad vasca de Guernica durante la Guerra Civil española.

Guernica & nbsp; muestra las tragedias de la guerra y el sufrimiento que inflige a las personas, en particular a los civiles inocentes. Este trabajo ha ganado un estatus monumental, convirtiéndose en un recordatorio perpetuo de las tragedias de la guerra, un símbolo pacifista y una encarnación de la paz. Una vez finalizado, Guernica se exhibió en todo el mundo en una breve gira, convirtiéndose en famoso y aclamado. Esta gira ayudó a llamar la atención del mundo sobre la Guerra Civil Española.

Este trabajo se ve como una amalgama de estilos pastorales y épicos. El descarte del color intensifica el drama, produciendo una calidad de reportaje como en un registro fotográfico. Guernica es azul, blanco y negro, 3,5 metros (11 pies) de alto y 7,8 metros (25,6 pies) de ancho, un lienzo del tamaño de un mural pintado al óleo. Esta pintura se puede ver en el Museo Reina Sofía de Madrid.

3. Dora Maar au Chat, 1941

Dora Maar au Chat presenta a la amante más misteriosa y desafiante del artista posada regiamente tres cuartos de largo en una gran silla de madera con un pequeño gato negro posado detrás de ella en una actitud a la vez divertida y amenazante. Los planos facetados de su cuerpo y la superficie ricamente estratificada de las pinceladas imparten una calidad monumental y escultórica a este retrato. La pintura también es notable por su brillantez de color y el patrón complejo y denso del vestido de la modelo. La poderosa figura está ambientada en un escenario dramático pero simple compuesto por un plano vertiginosamente inclinado de tablas de madera y un espacio interior poco profundo que está dispuesto de una manera que recuerda las primeras manipulaciones del espacio de Picasso de una manera cubista.

4. Jacqueline with Flowers, 1954

Jacqueline with Flowers, 1954 celebra la entrada de la nueva compañera de Picasso, Jacqueline Roque, en su pintura. Antonina Vallentin llama a la figura una “esfinge moderna”, y es cierto que en esta posición agachada, con su cuello largo y ojos almendrados, Jacqueline tiene algo de figura mítica en ella. A ella le gustó esta posición particular para sentarse, y se volverá a ver en retratos posteriores, incluida la serie “Odaliscas”. Cuando Picasso la conoció, le sorprendió su parecido con la mujer de la pipa de agua en Mujeres de Argel de Delacroix. Vio en ella el mismo tipo de belleza clásica mediterránea que había comenzado a pintar en Gasol.

5. Figures at the Seaside, 1931

En el verano de 1931 en el complejo vacacional de Picasso en la Riviera francesa, Juan-les-Pins. Se dice que está inspirado en la relación del pintor de 50 años con la modelo de 19 años, Marie-Therese Walter, la naturaleza grotesca de las formas representadas reduce este momento de contacto íntimo a un nivel de crudeza, probablemente más representativo de su deterioro de la relación con su esposa, Olga.

La cabeza con forma de mantis religiosa de las dos figuras era una imagen popular entre los surrealistas porque el concepto perverso de la hembra que se come un insecto a su pareja después del coito proporcionó otra metáfora visual de la paradoja de la “vida y la muerte”. Aquí, las cabezas incorporan las imágenes obscenas de los dientes dentatos de la vagina de Picasso, así como las lenguas del pene.

6. Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Les Demoiselles d’Avignon marca una ruptura radical con la composición y la perspectiva tradicionales en la pintura. Representa a cinco mujeres desnudas compuestas por planos planos astillados cuyos rostros están inspirados en la escultura ibérica y las máscaras africanas. El espacio comprimido en el que habitan parece proyectarse hacia adelante en fragmentos irregulares, mientras que una rodaja de melón en la naturaleza muerta en la parte inferior de la composición se balancea sobre una mesa volcada. Picasso dio a conocer la monumental pintura en su estudio de París después de meses de revisión. El Aviñón del título de la obra es una referencia a una calle de Barcelona famosa por sus burdeles.

7. The Old Guitarist, 1903

Este hombre encorvado y ciego sostiene cerca de él una guitarra grande y redonda. Su cuerpo marrón representa el único cambio de color de la pintura. Tanto física como simbólicamente, el instrumento llena el espacio alrededor de la figura solitaria, que parece ajena a su ceguera y pobreza mientras toca. En el momento en que se realizó la pintura, la literatura del movimiento simbolista incluía personajes ciegos que poseían poderes de visión interior. La figura delgada y esquelética del músico ciego también tiene sus raíces en el arte del país natal de Picasso, España. Los miembros alargados y la postura angulosa y apretada del anciano recuerdan las figuras del gran artista del siglo XVI El Greco.

8. Minotaur With Dead Horse In Front Of A Cave Facing A Girl In Veil, 1936

En Minotauro con yegua muerta frente a una cueva, 1936, Picasso ha representado al minatour emergiendo de una cueva, llevando el cuerpo de un caballo muerto. Aquí estaba haciendo una clara alusión al concurso a muerte que caracteriza las corridas de toros. Al mismo tiempo, sin embargo, ha unido la violencia de la lucha con la ternura con la que el vencedor lleva el cuerpo de su víctima.

9. Garçon à la Pipe (Boy with a Pipe), 1905

Pablo era un artista joven y aspirante en el momento de esta pintura, alrededor de los 24 años. Se considera una de las obras más significativas del desarrollo temprano de su carrera y muestra cómo Picasso se trasladó a los estilos contemporáneos después de haber estudiado inicialmente técnicas de arte clásico.

Garcon a la Pipe plantea más preguntas de las que responde. Picasso tocó la belleza de la juventud en esta pintura que estaba fuera de lugar para sus retratos de la época. Los elementos de la pose tampoco son concluyentes en cuanto a sus pensamientos detrás del trabajo, mientras que el brazo izquierdo se coloca en una posición incómoda y antinatural. Picasso descubrió que Montmatre estaba inundado de modelos adecuados para su trabajo, y sin escasez de personas que se abrían camino en la industria del entretenimiento, pudo seleccionar todo tipo de personajes interesantes para su trabajo. Muchos estaban más que felices de obtener un pequeño ingreso adicional, mientras que otros estaban contentos con solo estar en y alrededor de un entorno creativo.

10. The Women of Algiers, 1955

La serie de Picasso Las mujeres de Argel se inició un mes después del levantamiento nacionalista en Argelia en 1954, que condujo a la Guerra de independencia argelina de ocho años de duración. .

La historia y la política de Francia en el período de la posguerra estuvo estrechamente ligada a su relación con sus colonias y su apuesta por la independencia. En medio de estos hechos, Picasso estableció el vínculo con Las mujeres de Argel 1834 de Eugène Delacroix. Su diálogo con Delacroix se remonta a una serie de dibujos tempranos de 1940 y la famosa prueba “Louvre” de 1946 en la que Picasso yuxtapuso directamente su trabajo con obras maestras en el museo. Picasso se habría sentido atraído por la idea de Delacroix de la autenticidad de la antigüedad en el norte de África y por la relación de la cultura española con el período de dominación árabe.