Las 10 obras de arte más famosas de Salvador Dali

Salvador Dalí, en su totalidad Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech, (nacido el 11 de mayo de 1904 en Figueras, España; fallecido el 23 de enero de 1989 en Figueras), pintor y grabador surrealista español, influyente por sus exploraciones de la imaginería subconsciente.

Nacido en Figueres, Cataluña, España, Dalí recibió su educación formal en bellas artes en Madrid. Influenciado por el impresionismo y los maestros del Renacimiento desde muy joven, se sintió cada vez más atraído por el cubismo y los movimientos de vanguardia. Se acercó al surrealismo a finales de la década de 1920 y se unió al grupo surrealista en 1929, convirtiéndose pronto en uno de sus principales exponentes.

El repertorio artístico de Dalí incluía pintura, artes gráficas, cine, escultura, diseño y fotografía, en ocasiones en colaboración con otros artistas. También escribió ficción, poesía, autobiografía, ensayos y crítica. Los temas principales de su trabajo incluyen los sueños, el subconsciente, la sexualidad, la religión, la ciencia y sus relaciones personales más cercanas.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Salvador Dalí:

1. La persistencia de la memoria (1931)

Los objetos duros se vuelven inexplicablemente flácidos en este sombrío e infinito paisaje onírico, mientras que el metal atrae a las hormigas como carne podrida. Dominando lo que llamó “los habituales trucos paralizantes de engañar a los ojos”, Dalí pintó con “la más imperialista furia de precisión”, dijo, pero solo “para sistematizar la confusión y así ayudar a desacreditar por completo el mundo de la realidad”. Es la clásica ambición surrealista, pero también se incluye una realidad literal: los lejanos acantilados dorados son la costa de Cataluña, la casa de Dalí.

Esos relojes flojos son tan suaves como un queso demasiado maduro; de hecho, representan “el camembert del tiempo”, en la frase de Dalí. Aquí el tiempo debe perder todo sentido. La permanencia va con ella: las hormigas, un tema común en la obra de Dalí, representan la descomposición, particularmente cuando atacan un reloj de oro, y parecen grotescamente orgánicas. La monstruosa criatura carnosa que cubre el centro de la pintura es a la vez extraña y familiar: una aproximación del propio rostro de Dalí de perfil, sus largas pestañas parecen inquietantemente como insectos o incluso sexuales, al igual que lo que puede o no ser una lengua que rezuma de su nariz como un gordo caracol.

2. Cisnes que se reflejan como elefantes (1937)

Swans Reflecting Elephants (1937) pertenece al período crítico paranoico de Dalí. Pintado al óleo sobre lienzo, contiene una de las famosas imágenes dobles de Dalí. Las imágenes dobles fueron una parte importante del “método crítico de la paranoia” de Dalí, que presentó en su ensayo de 1935 “La conquista de lo irracional”. Explicó su proceso como un “método espontáneo de comprensión irracional basado en la asociación crítica interpretativa de fenómenos delirantes”. Dalí utilizó este método para hacer surgir las formas alucinatorias, las imágenes dobles y las ilusiones visuales que llenaron sus pinturas durante los años treinta.

3. Construcción blanda con judías hervidas (1936)

Esta pintura expresa la destrucción durante la Guerra Civil Española. La monstruosa criatura de esta pintura es autodestructiva al igual que lo es una Guerra Civil. Esta pintura no pretende representar la elección de bando, aunque Dalí tuvo muchas razones para elegir bando en la Guerra Civil española. Su hermana fue torturada y encarcelada por soldados comunistas que luchaban por la República y su buen amigo de la escuela de arte, el poeta Federico García Lorca, fue asesinado por un pelotón de fusilamiento fascista. Dalí también hizo que esta pintura pareciera muy realista y, sin embargo, continuó aportando conceptos surrealistas.

Aunque los humanos no tienen el potencial de parecerse a las criaturas en esta pintura, conserva una sensación realista, recordando al espectador la gravedad de las ideas detrás de ella. Dalí también aportó ideas de tradición a esta pieza con un hermoso cielo catalán, creando un contraste con la idea de revolución. Hay una cantidad significativa de frijoles hervidos en esta pintura. Se cita a Dalí diciendo que la razón por la que incluyó frijoles hervidos fue “uno no podía imaginarse tragar toda esa carne inconsciente sin la presencia de alguna verdura harinosa y melancólica”. Con esto quiso decir que hubo muchas dificultades en la guerra por lo que los ciudadanos españoles tuvieron que hacer todo lo posible para hacer frente a sus problemas. Jugó con temas de amor, comida y la guerra y cómo están relacionados.

4. El gran masturbador (1929)

Una figura femenina desnuda (parecida a la entonces nueva musa de Dalí, Gala) se eleva desde la parte posterior de la cabeza; esta puede ser la fantasía masturbatoria sugerida por el título. La boca de la mujer está cerca de una entrepierna masculina finamente vestida, una sugerencia de que puede tener lugar una felación. La figura masculina vista solo de cintura para abajo tiene cortes frescos y sangrantes en sus rodillas. Debajo de la cabeza del perfil central, en su boca, hay un saltamontes, un insecto al que Dalí se refirió varias veces en sus escritos. Un enjambre de hormigas (motivo popular que representa la ansiedad sexual en la obra de Dalí) se acumula en el abdomen del saltamontes, así como en la cara tendida.

La pintura puede representar las actitudes severamente conflictivas de Dalí hacia las relaciones sexuales. En la juventud de Dalí, su padre había dejado un libro con fotos explícitas de personas que padecían enfermedades venéreas avanzadas no tratadas para “educar” al niño. Las fotos de genitales enfermos grotescamente dañados fascinaron y horrorizaron al joven Dalí, quien continuó asociando el sexo con la putrefacción y la descomposición en su edad adulta.

5. Metamorfosis de Narciso (1937)

Esta pintura es la interpretación de Dalí del mito griego de Narciso. Narciso era un joven de gran belleza que se amaba solo a sí mismo y rompía el corazón de muchos amantes. Los dioses lo castigaron dejándolo ver su propio reflejo en un estanque. Se enamoró de él, pero descubrió que no podía abrazarlo y murió de frustración. Inmortalizados, los dioses lo inmortalizaron como la flor del narciso (narciso). Para esta imagen, Dalí utilizó una técnica meticulosa que describió como ‘fotografía en color pintada a mano’ para representar con efecto alucinatorio la transformación de Narciso, arrodillado en la piscina, en la mano que sostiene el huevo y la flor. Narciso como era antes de su transformación se ve posando en el fondo. El juego con las ‘imágenes dobles’ surgió de la fascinación de Dalí por la alucinación y el engaño.

6. Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944)

En esta “fotografía onírica pintada a mano”, como Dalí suele llamar a sus cuadros, hay un paisaje marino de horizontes lejanos y aguas tranquilas, tal vez Port Lligat, en medio del cual Gala es el protagonista de la escena. Junto al cuerpo desnudo de la mujer dormida, que levita sobre una roca plana que flota sobre el mar, Dalí representa dos gotas de agua suspendidas y una granada, símbolo cristiano de fertilidad y resurrección. Sobre la granada vuela una abeja, un insecto que tradicionalmente simboliza a la Virgen.

7. Jirafa en llamas (1937)

Dali pintó Burning Giraffe antes de su exilio en los Estados Unidos que fue de 1940 a 1948. Aunque Dali se declaró apolítico – “Soy Dali, y solo eso” – esta pintura muestra su lucha personal con la batalla en su país de origen. La característica son los cajones abiertos en la figura femenina azul, que Dalí describió en una fecha posterior como “Femme-coxis” (mujer del rabo).

Este fenómeno se remonta al método psicoanalítico de Sigmund Freud, muy admirado por Dali. Lo consideró como un enorme paso adelante para la civilización, como se muestra en la siguiente cita. “La única diferencia entre la Grecia inmortal y nuestra era es Sigmund Freud, quien descubrió que el cuerpo humano, que en la época griega era meramente neoplatónico, ahora está lleno de cajones secretos que solo se pueden abrir a través del psicoanálisis”. Los cajones abiertos en esta expresiva figura femenina apuntalada se refieren al subconsciente interior del hombre. En palabras del propio Dalí, sus pinturas forman “una especie de alegoría que sirve para ilustrar una cierta intuición, para seguir los numerosos olores narcisistas que ascienden de cada uno de nuestros cajones”.

8. Mae West Lips Sofa (1937)

En 1935 Salvador Dalí, posiblemente el más famoso de los artistas surrealistas de la época, conoció un espíritu afín en el coleccionista y poeta británico Edward James. James fue el partidario más distinguido de Gran Bretaña del movimiento surrealista, y la pareja entabló una profunda amistad, y James se convirtió en un coleccionista de la obra de Dalí. En 1936, Dalí se quedó con James en su casa de Londres, donde desarrollaron una serie de ideas para objetos y muebles surrealistas. Fue James quien sugirió que crearan un sofá basado en el trabajo de Dalí, La cara de Mae West que puede usarse como apartamento surrealista (1934-35), que ve los labios escarlata del símbolo sexual de Hollywood Mae West reinventado como asiento para un ambientación fantástica.

9. Lobster Telephone (1936)

Este es un ejemplo clásico de un objeto surrealista, hecho de la conjunción de elementos que normalmente no se asocian entre sí, lo que resulta en algo a la vez lúdico y amenazador. Dalí creía que tales objetos podían revelar los deseos secretos del inconsciente. Las langostas y los teléfonos tenían fuertes connotaciones sexuales para Dalí. El teléfono aparece en ciertas pinturas de finales de la década de 1930 como Mountain Lake (Tate Gallery T01979), y la langosta aparece en dibujos y diseños, generalmente asociados con el placer erótico y el dolor. Para la Feria Mundial de Nueva York de 1939, Dalí creó una experiencia multimedia titulada El sueño de Venus, que consistió en parte en vestir a modelos desnudas en vivo con ‘disfraces’ hechos de mariscos frescos, un evento fotografiado por Horst P. Horst y George Platt. Lynes. El artista utilizó una langosta para cubrir los órganos sexuales femeninos de sus modelos. Dalí a menudo estableció una estrecha analogía entre la comida y el sexo. En Lobster Telephone, la cola del crustáceo, donde se encuentran sus partes sexuales, se coloca directamente sobre la boquilla.

10. Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

Representa a Jesucristo en la cruz en un cielo oscurecido flotando sobre un cuerpo de agua completo con un bote y pescadores. Aunque es una representación de la crucifixión, está desprovista de clavos, sangre y una corona de espinas, porque, según Dalí, estaba convencido por un sueño de que estos rasgos estropearían su representación de Cristo. También en un sueño, se le reveló la importancia de representar a Cristo en el ángulo extremo evidente en la pintura.