Las 10 obras de arte más famosas de Yayoi Kusama

Yayoi Kusama (草 間 彌 生, Kusama Yayoi, nacido el 22 de marzo de 1929) es un artista contemporáneo japonés que trabaja principalmente en escultura e instalación, pero también participa en pintura, performance, cine, moda, poesía, ficción y otras artes. Su trabajo se basa en el arte conceptual y muestra algunos atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el Art Brut, el arte pop y el expresionismo abstracto, y está impregnado de contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Ha sido reconocida como una de las artistas vivas más importantes de Japón.

Abrazando el auge de la contracultura hippie de finales de la década de 1960, llamó la atención del público cuando organizó una serie de eventos en los que los participantes desnudos fueron pintados con lunares de colores brillantes. Desde la década de 1970, Kusama ha seguido creando arte, sobre todo instalaciones en varios museos de todo el mundo.

niood enumera las 10 obras de arte más famosas de Yayoi Kusama:

1. Dots Obsession, 2003

Dots Obsession se aproxima visualmente a las alucinaciones que supuestamente sufrió Kusama cuando era niña, en las que la totalidad de su espacio circundante estaba cubierto con patrones repetidos. La instalación también revela la cuidadosa atención del artista a la construcción del espacio a través del color y la forma, y al juego de luces y perspectiva logrado mediante la repetición de algunos dispositivos simples, creando una experiencia inmersiva a partir de pintura roja, puntos blancos, globos gigantes y colocados estratégicamente espejos.

A finales de la década de 1960, los lunares se habían convertido en una estrategia de lo que el artista describió como “autodestrucción”. Una característica destacada de sus “sucesos” y actuaciones de la época, y generalmente pintadas en los cuerpos de los participantes, neutralizaban simbólicamente el ego, al que Kusama culpó del horror y la destrucción de la guerra entre Estados Unidos y Vietnam. Ella instó en ese momento:

2. Pumpkin, 1990

Su fascinación por las calabazas se remonta a su infancia. Sin embargo, la calabaza apareció por primera vez en la obra de arte de Kusama en 1946 cuando la exhibió en una exposición itinerante en Matsumoto, la ciudad de su infancia. Esta primera pieza fue pintada en el estilo Nihonga de pintura tradicional que se desarrolló en Japón alrededor del siglo XIX. Después de esta primera pieza, Kusama no volvió a presentar calabazas en su obra de arte hasta que las resurgió en la década de 1970.

Conocidas en Japón como Kabocha, las calabazas son imágenes positivas para Kusama porque representan una parte positiva de su problemática infancia en Matsumoto. Cuando era niña, Kusama pasaba horas dibujando calabazas. Para ella, las calabazas son representativas de estabilidad, comodidad y modestia. Según Kusama, prefiere usar calabazas porque no solo son atractivas tanto en color como en forma, sino que también son tiernas al tacto. Por lo tanto, se puede decir que la inclusión de calabazas en su obra de arte se debe a los recuerdos de la infancia que desencadena el vegetal.

3. Flowers, 1983

Las flores que florecen a la medianoche son una serie de esculturas a gran escala, cada una con su distintivo esquema de colores bulliciosos. Las flores han sido durante mucho tiempo una parte esencial de la obra de Kusama. Utiliza sus propiedades metafóricas para reflejar muchas de sus preocupaciones conceptuales, junto con su desprecio por las dicotomías.

Las flores de Kusama simbolizan la vida y la muerte, la masculinidad y la feminidad, y la celebración y el duelo. Su forma compleja, frágil, orgánica, que encuentra singularidad a través de la repetición, encuentra resonancia en todo su trabajo.

Desde que era niña, Kusama ha estado rodeada de flores gracias al negocio de viveros de su familia. Como una forma de trabajar instintivamente a través de sus primeras experiencias, las flores aparecen en muchos de sus primeros dibujos y pinturas. En una de sus primeras fotografías, se la podía ver casi oscurecida por grandes crisantemos.

4. Ascension of Polka Dots, 2006

Kusama, que es famosa por sus obras de arte llenas de lunares a gran escala, usó cuerdas elásticas y grapas de metal para envolver firmemente varios árboles en una tela de poliéster roja cubierta de manchas blancas.

5. Repetitive Vision, 1996

Yayoi Kusama deslumbra al público de todo el mundo con sus inmersivas “Infinity Mirror Rooms” y una estética que abarca la luz, los lunares y las calabazas.

6. Butterfly, 1988

Butterfly de Yayoi Kusama representa un regreso histórico para la artista a su estilo maduro. Pintada en 1982, el mismo año en que exhibiría grandes pinturas y esculturas nuevas en la Fuji Television Gallery, Tokio, y volvería a la escena de las galerías europeas con una exposición en la Naviglio Gallery de Milán, Butterfly manifiesta los motivos característicos de Kusama: la red infinita y los puntos borradores. – en una representación inmediatamente icónica de uno de sus temas principales, la mariposa.

Butterfly encierra vibrantemente los puntos simbólicos en un intento formal de predecir y medir el infinito del universo ilimitado. La pintura de Kusama presenta aquí una interesante dicotomía entre las cualidades visuales calmantes y caprichosas de la composición y el impulso inquisitivo y obsesivo de la artista por contener y restringir sus neurosis. En particular, la mariposa, formada por esos puntos por excelencia, no está en absoluto limitada por el tejido aparentemente ilimitado de redes que emana de abajo y de atrás. “No me preocupa el surrealismo, el arte pop, el arte minimalista o lo que sea. Estoy tan absorta en vivir mi vida ”, y a eso se podría agregar la creación de su propia marca de arte idiosincrásica e icónica. La repetición infinita de puntos y redes representa una confrontación con una obsesión por el espacio, el tiempo y la realidad de su eventual terminación, y Kusama, en Butterfly, ha ejecutado una composición magistral que fusiona su propia imaginería figurativa y abstracta autobiográfica con la misma. carga psíquica que emana de su mejor y más exitoso trabajo.

7. Accumulation No. 1, 1962

Para hacer Acumulación No. 1, su primera escultura, Kusama cubrió un sillón con decenas de protuberancias pintadas y rellenas cosidas a mano, a las que se refirió como falos. “Los hago y los hago y luego sigo haciéndolos, hasta que me entierro en el proceso. Yo llamo a esto aniquilación “. Cuando exhibió por primera vez esta obra en Nueva York, su hogar durante la década de 1960, los críticos, quizás no sorprendentemente, se sorprendieron por la transformación sexualizada de un objeto doméstico ordinario por parte de una artista femenina.

8. Infinity Nets, 1990

Yayoi Kusama comenzó a pintar “Infinity Nets”, la serie de más larga duración del artista, después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1958. Para Kusama, estas obras abstractas cubiertas de pinceladas curvas repetidas son una forma esencial de terapia artística, inspirada en parte por ella. visiones alucinatorias. “Mis redes crecieron más allá de mí y más allá de los lienzos que cubría con ellas”, explicó una vez. “Comenzaron a cubrir las paredes, el techo y finalmente todo el universo. Siempre estuve en el centro de la obsesión, sobre el apasionado aumento y repetición dentro de mí “. En pos de este abismo infinito, Kusama incluso ha pintado sus “Infinity Nets” en sesiones ininterrumpidas de 40 a 50 horas. En 2014, esta influyente serie estableció récords en el mercado del arte. Su monocromática “Infinity Net” White No. 28 (1960) se vendió en una subasta por $ 7,1 millones, que en ese momento era el precio más alto jamás pagado por una obra de una artista femenina viva.

9. Obliteration Room, 2002

The obliteration room & nbsp; (2002-presente) es una instalación familiar y participativa de uno de los artistas más populares y queridos del mundo, Yayoi Kusama (n. 1929 Matsumoto, Japón).

Comenzando como un interior blanco puro, lo alienta a transformar el espacio de nuestro & nbsp; Centro de aprendizaje creativo saturándolo con un arco iris de puntos de colores brillantes. Observe cómo, con el tiempo, los visitantes crean una mareante borrosidad de color al aplicar calcomanías de colores brillantes en varios tamaños en cada superficie.

Con las características familiares de una casa típica de Aotearoa en Nueva Zelanda, The obliteration room en Auckland Art Gallery alienta a los visitantes, especialmente a los niños, a experimentar e interactuar con las obras de arte con poca o ninguna indicaciones.

10. No. F, 1959

Atraída por la libertad social y la abundante escena artística de posguerra en los Estados Unidos, Kusama dejó Japón y se mudó a la ciudad de Nueva York en 1958. Poco después, comenzó a producir su serie de pinturas Infinity Nets, incluida la No. F., en la que interpretó con la noción de repetición infinita y espacio infinito. Combinando su estrategia en desarrollo de repetición en serie con un método de pintura integral, las obras colapsan la distinción entre figura y fondo, dando igual peso tanto a las pinceladas como a los agujeros dentro de ellas. Psicológicamente, el proceso de realización de estas pinturas fue una forma de catarsis para la artista, que buscaba borrar sus miedos e incluso a sí misma a través del acto de repetición.