MoMA – El Museo de Arte Moderno de Nueva York – es el mayor museo de arte moderno y contemporáneo de la ciudad y uno de los más reconocidos del mundo. Es una visita obligada incluso para aquellos que no son grandes fanáticos del arte moderno. ¡Te sorprenderá descubrir obras que necesariamente conoces!

niood te enumera las 12 pinturas más famosas del MoMa de Nueva York:

1. Noche estrellada, Van Gogh

La noche estrellada (en holandés De sterrennacht) es una pintura del pintor posimpresionista holandés Vincent van Gogh. El cuadro representa lo que Van Gogh pudo ver y extrapolar de la habitación que ocupaba en el asilo del monasterio de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence en mayo de 1889.

A menudo presentada como su gran obra, la pintura ha sido reproducida muchas veces. Ahora se conserva en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York desde 1941.

2. Les Demoiselles d’Avignon, Pablo Picasso

Les Demoiselles d’Avignon es un óleo sobre lienzo de gran formato (244 × 234 cm), realizado en París por Pablo Picasso en 1907. El cuadro está considerado como uno de los cuadros más importantes de la historia de la pintura por su estilo estilístico y conceptual. rompe lo que ofrece.

Según Henri Matisse, probablemente se debió a un malentendido que a partir de 1907 Les Demoiselles d’Avignon o Bordel d’Avignon se considerara la primera pintura cubista. Habiendo Picasso tenido un mayor sentido de las relaciones públicas que Georges Braque, terminará a fines de la década de 1950 atribuyéndose a sí mismo toda la paternidad del cubismo. La obra fue adquirida por el Museo de Arte Moderno, ubicado en Nueva York, en 1939.

3. La persistencia de la memoria, Salvador Dalí

La persistencia de la memoria es una pintura surrealista pintada en 1931 por Salvador Dalí. Se trata de un óleo sobre lienzo conocido por el gran público con el título Les Montres molles y uno de los cuadros más famosos del pintor. Expuesto por primera vez en la galería de arte de Julien Levy en 1932, forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1934.

Representando la playa de Portlligat adornada con relojes de bolsillo derritiéndose como el camembert, el lienzo se burla tanto de la rigidez del tiempo —opuesta aquí a la persistencia de la memoria, título de la obra— como refleja las angustias del pintor ante el avance inexorable del tiempo y de la muerte. Dalí explota aquí los elementos más característicos de su período surrealista para desarrollar temas universales: el tiempo y la muerte. El resultado es un trabajo que es a la vez emblemático del trabajo de Dalian y de alcance general.

4. La lata de sopa Campbell, Andy Warhol

Campbell’s Soup Cans (a veces denominadas 32 Campbell’s Soup Cans) es una obra de arte producida entre noviembre de 1961 y marzo o abril de 1962 por el artista estadounidense Andy Warhol. Consta de treinta y dos lienzos, cada uno de los cuales mide 20 pulgadas (51 cm) de alto × 16 pulgadas (41 cm) de ancho y cada uno consta de una pintura de una lata de sopa Campbell, una de cada una de las variedades de sopa enlatada que ofrece la empresa. en el momento.

Las obras no pictóricas se produjeron mediante un proceso de serigrafía y representan imágenes derivadas de la cultura popular y pertenecen al movimiento del arte pop.

5. Los amantes, René Magritte

Los deseos frustrados son un tema común en la obra de René Magritte. Aquí, una barrera de tela impide el abrazo íntimo entre dos amantes, transformando un acto de pasión en uno de aislamiento y frustración. Algunos han interpretado este trabajo como una representación de la incapacidad de revelar completamente la verdadera naturaleza incluso de nuestros compañeros más íntimos.

6. Los nenúfares, Claude Monet

Una de las pinturas más grandes de Monet, muestra la belleza de la puesta de sol reflejándose en el agua. En 1919, Claude Monet era un anciano que ya había estado pintando durante casi 70 años, y su serie Nenúfares llegó en un momento en que pintaba principalmente nenúfares en su estanque, el puente del estanque y su jardín.

7. Interior holandés, Joan Miró

Interior holandés  _(I) está basado en una pintura del siglo XVII de Hendrick Martensz Sorgh que representa a un laúd en un interior doméstico. Miró compró una reproducción en postal de la obra en el Rijksmuseum de Ámsterdam unos meses antes de comenzar a pintar. “Tenía la postal clavada en mi caballete mientras pintaba”, informó Miró. Con colores planos y audaces que rechazaban el modelado y la perspectiva naturalistas de la pintura holandesa del siglo XVII, Miró acentuó enormemente algunos elementos de la composición de Sorgh, en particular el laúd y la cabeza del hombre y el cuello con volantes, al tiempo que disminuyó otros.

8. Gasolinera, Edward Hopper

El tema de los caminos y los viajes se convertirá en uno de los motivos permanentes en la obra del artista. Al mismo tiempo, el viaje americano es un viaje, principalmente en coche. El tema también se revela en la literatura y el cine: esta es la gran road movie estadounidense, obra de Jack Kerouac, que se ha convertido en símbolos de los viajes estadounidenses, donde la estación de servicio es una de las tramas principales.

9. Autorretrato con corte de pelo, Frida Kahlo

En este autorretrato, Kahlo se ha deshecho de los atributos femeninos con los que a menudo se representaba a sí misma, como los tradicionales vestidos de tehuana bordados o las flores en el pelo, y en su lugar luce un traje de hombre holgado y un corte de pelo corto. Permanecen, sin embargo, sus zapatos de tacón y un pendiente colgante, junto con su característica mirada penetrante hacia el exterior. Mechones de cabello están esparcidos por el suelo, una trenza cortada yace junto a su silla y la artista sostiene un par de tijeras en su regazo.

Este personaje andrógino puede referirse a la bisexualidad de la propia Kahlo, mientras que la letra de una canción popular mexicana que aparece en la parte superior sugiere la dirección de un amante: “Mira, si te amé fue por tu cabello. Ahora que no tienes cabello, ya no te amo”.

10. Uno: Número 31, Jackson Pollock

Es una de las tres pinturas de gran formato pintadas con dripping que Pollock creó en 1950 en su emblemático estudio en un granero de East Hampton; los otros dos son Autumn Rhythm (Número 30) y Blue Poles. Durante el proceso de creación de One: Number 31, 1950, en el verano de 1950, se invitó al fotógrafo Hans Namuth a tomar fotografías que documentaran el estudio y el trabajo de Pollock.

A su llegada, Namuth inicialmente se sintió decepcionado de que Pollock dijera que el lienzo grande con pintura al óleo y esmalte estaba terminado. Sin embargo, esta sensación de insatisfacción duró poco, ya que Pollock recogió espontáneamente su pincel y comenzó a aplicar pintura negra, blanca y marrón en el lienzo en lo que Namuth llamó “una especie de danza”.

11. Chica ahogándose, Roy Lichtenstein

La pintura ha sido descrita como una “obra maestra del melodrama” y es una de las primeras imágenes del artista que representa a mujeres en situaciones trágicas, un tema al que volvió a menudo a mediados de la década de 1960. Muestra a una mujer con ojos llorosos en un mar turbulento. Está emocionalmente angustiada, aparentemente por un romance. Usando las convenciones del arte de los cómics, una burbuja de pensamiento dice: “¡No me importa! ¡Prefiero hundirme que llamar a Brad para pedir ayuda!

Este elemento narrativo resalta el melodrama cliché, mientras que sus gráficos, incluidos los puntos de Ben-Day que hacen eco del efecto del proceso de impresión, reiteran el tema de Lichtenstein del trabajo pictórico que imita la reproducción mecanizada.

12. Rueda de bicicleta, Marcel Duchamp

“Rueda de bicicleta” (fr. Roue de bicyclette) es un readymade del artista y teórico del arte francés y estadounidense Marcel Duchamp, creado por él en 1913, incluso antes de la aparición de este término, introducido por él en 1915. La escultura representa un rueda delantera montada por la parte superior de una horquilla de bicicleta en el asiento de un taburete de madera. La versión original de 1913 y la repetición de su autor, que se atribuye a 1916-1917, se han perdido. En 1950-1960, se crearon varias copias más por orden del artista.

“Rueda de bicicleta” es el primer objeto de este tipo en el arte, realizado con la técnica ready-made, cuyo fundador es Duchamp. Además, esta obra es considerada como el primer ejemplo de arte cinético.