Las 20 Pinturas Más Famosas de Todos Los Tiempos

Si bien estamos inundados de arte todo el día y todos los días, hay algunas piezas reconocibles que han trascendido el tiempo y la cultura y han marcado su lugar en la historia del arte y nunca serán olvidadas.

niood enumera las 20 pinturas más famosas de todos los tiempos:

1. Leonardo Da Vinci, Mona Lisa, 1503–19

Donde ver la pintura: Louvre Museum (Paris)

Período: Renaissance

La Mona Lisa es una pintura al óleo del artista, inventor y escritor italiano Leonardo da Vinci. Probablemente terminada en 1506, la pieza presenta un retrato de una mujer sentada frente a un paisaje imaginario. Representada de manera similar a las representaciones renacentistas de la Virgen María, la pieza presenta una figura femenina, que la mayoría cree que es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de telas y seda Francesco Giocondo, de cintura para arriba. Se la muestra sentada en una logia o en una habitación con al menos un lado abierto. Detrás de ella hay un paisaje nebuloso y aparentemente aislado imaginado por el artista y pintado con sfumato, una técnica que da como resultado formas “sin líneas ni bordes, a modo de humo o más allá del plano de enfoque”. Su mirada es otra parte fascinante de la composición. Muchos creen que sus ojos te siguen a través de la habitación, lo que la convierte en una participante activa cuando se la ve, en lugar de permanecer como un objeto para mirar. Además de su apariencia misteriosa, su expresión ha resonado con más fuerza entre los historiadores del arte por su posible simbolismo, ya que muchos creen que es una inteligente “representación visual de la idea de felicidad sugerida por la palabra ‘gioconda’ en italiano”.

Una de las razones más populares del atractivo mundial de la Mona Lisa es su sonrisa. Da Vinci usó la ilusión óptica para crear una sonrisa única a través del trabajo de perspectiva y sombras. Da Vinci pintó la Mona Lisa de tal manera que los ojos de la Mona Lisa caen directamente en el foco del espectador, mientras que los labios caen justo debajo de la periferia de la visión La expresión facial le da a la imagen una cualidad desconcertante y hace que el espectador se pregunte qué pensó modelo, quién era y por qué parece feliz y triste para algunos.

2. Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1484–1486

Donde ver la pintura: Le Gallerie Degli Uffizi (Florence, Italy)

Conocida como el “Nacimiento de Venus”, la composición muestra a la diosa del amor y la belleza llegando a la tierra, a la isla de Chipre, nacida de la espuma del mar y llevada allí por los vientos, Zephyr y, quizás, Aura. La diosa está de pie sobre una concha de vieira gigante, tan pura y tan perfecta como una perla. La recibe una joven, a la que a veces se la identifica como una de las Gracias o como la Hora de la primavera, y que le tiende un manto cubierto de flores. Incluso las rosas, arrastradas por el viento, son un recordatorio de la primavera. El tema del cuadro, que celebra a Venus como símbolo del amor y la belleza, fue quizás sugerido por el poeta Agnolo Poliziano.

3. Vincent van Gogh, La Noche Estrellada, 1889

Donde ver la pintura: Museum of Modern Art (New York City)

Período: Post-Impressionism, Modern art

Vincent van Gogh pintó La noche estrellada en 1889 durante su estancia en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole, cerca de Saint-Rémy-de-Provence. Van Gogh vivió bien en el hospital; se le concedieron más libertades que cualquiera de los otros pacientes. Si lo atienden, podría abandonar los terrenos del hospital; se le permitió pintar, leer y retirarse a su propia habitación. Incluso le dieron un estudio. Si bien sufría una recaída ocasional en la paranoia y los ataques, oficialmente le habían diagnosticado ataques epilépticos, parecía que su salud mental se estaba recuperando.

Desafortunadamente, ha recaído. Comenzó a sufrir alucinaciones y a tener pensamientos suicidas mientras se hundía en la depresión. En consecuencia, hubo un cambio tonal en su trabajo. Volvió a incorporar los colores más oscuros desde el comienzo de su carrera y Starry Night es un maravilloso ejemplo de ese cambio. El azul domina la pintura, mezclando colinas con el cielo. El pequeño pueblo está en la base del cuadro en marrones, grises y azules. Aunque cada edificio está claramente delineado en negro, el amarillo y el blanco de las estrellas y la luna se destacan contra el cielo, atrayendo las miradas hacia el cielo. Son el gran captador de atención de la pintura.

4. Johannes Vermeer, La joven de la perla, 1665

Donde ver la pintura: Mauritshuis (The Hague, Netherlands)

La pintura se considera un tronie, una subcategoría del retrato que fue popular en la Edad de Oro holandesa y el arte barroco flamenco. Las tronías son estudios de características faciales, personajes estereotipados o expresiones exageradas. Vermeer captura un momento fugaz, la niña gira la cabeza con los labios ligeramente separados mientras mira directamente al espectador. La niña lleva un pañuelo inspirado en un turbante turco y un enorme pendiente de perlas. Estos elementos exóticos aumentan el dramatismo de la pintura y le dan al artista la oportunidad de mostrar efectos artísticos en su tratamiento de la luz y la textura. Otro tronie de Vermeer, Estudio de una mujer joven (ca. 1665-1667) a menudo se ve como una variante o contraparte de La niña con un pendiente de perla. En ambos cuadros, las figuras se colocan sobre un fondo negro, lucen el pendiente de la perla y un pañuelo sobre el hombro. Mientras que La chica del pendiente de perlas es una belleza idealizada, el Estudio de una mujer joven muestra rasgos faciales sencillos e imperfectos.

5. Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Donde ver la pintura: Museum of Modern Art (New York City)

Período: Cubism

Les Demoiselles d’Avignon marca una ruptura radical con la composición y la perspectiva tradicionales en la pintura. Representa a cinco mujeres desnudas compuestas por planos planos astillados cuyos rostros están inspirados en la escultura ibérica y las máscaras africanas. El espacio comprimido en el que habitan parece proyectarse hacia adelante en fragmentos irregulares, mientras que una rodaja de melón en la naturaleza muerta en la parte inferior de la composición se balancea sobre una mesa volcada. Picasso dio a conocer la monumental pintura en su estudio de París después de meses de revisión. El Aviñón del título de la obra es una referencia a una calle de Barcelona famosa por sus burdeles.

6. Edvard Munch, The Scream, 1893

Donde ver la pintura: National Museum (Oslo, Norway — opening in 2020) and Munch Museum (Oslo — through May 2020)

Período: Proto-Expressionism

Solo superada por la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, El grito de Edvard Munch puede ser la figura humana más emblemática de la historia del arte occidental. Su cabeza andrógina, en forma de calavera, manos alargadas, ojos muy abiertos, fosas nasales dilatadas y boca ovoide han quedado grabados en nuestra conciencia cultural colectiva; el paisaje azul arremolinado y especialmente el cielo anaranjado y amarillo ardiente han engendrado numerosas teorías sobre la escena que se representa.

7.Leonardo Da Vinci, The Last Supper, 1495 to 1498

Donde ver la pintura: Santa Maria delle Grazie (Milan, Italy)

Período: Renaissance, Italian Renaissance, High Renaissance

La Última Cena es la interpretación visual de Leonardo de un evento narrado en los cuatro Evangelios (libros del Nuevo Testamento cristiano). La noche antes de que Cristo fuera traicionado por uno de sus discípulos, los reunió para comer, decirles que sabía lo que venía y lavarles los pies (gesto que simboliza que todos eran iguales ante los ojos del Señor). Mientras comían y bebían juntos, Cristo les dio a los discípulos instrucciones explícitas sobre cómo comer y beber en el futuro, en memoria de él. Fue la primera celebración de la Eucaristía, un ritual que aún se realiza. Específicamente, La Última Cena describe los siguientes segundos en esta historia después de que Cristo lanzó la bomba de que un discípulo lo traicionaría antes del amanecer, y los doce reaccionaron a la noticia con diferentes grados de horror, ira y conmoción.

8. Piet Mondrian, Composition with Red Blue and Yellow, 1930

Donde ver la pintura: National Museum, Belgrade, Serbia

Composición II con rojo, azul y amarillo es una pintura de 1930 de Piet Mondrian. Una obra de arte muy conocida, Mondrian contribuye en gran medida al lenguaje visual abstracto a pesar de utilizar un lienzo relativamente pequeño. Una pincelada espesa y negra define los bordes de las diferentes figuras geométricas. En comparación, la pincelada negra en el lienzo es mínima, pero se aplica magistralmente para convertirse en una de las características definitorias de la obra.

9. Pablo Picasso, Guernica, 1937

Donde ver la pintura: Museo Reina Sofía (Madrid)

Período: Cubism, Surrealism

Probablemente la obra más famosa de Picasso, Guernica es sin duda su declaración política más poderosa, pintada como una reacción inmediata a la devastadora práctica de bombardeo casual de los nazis en la ciudad vasca de Guernica durante la Guerra Civil española.

Guernica muestra las tragedias de la guerra y el sufrimiento que inflige a las personas, en particular a los civiles inocentes. Este trabajo ha ganado un estatus monumental, convirtiéndose en un recordatorio perpetuo de las tragedias de la guerra, un símbolo pacifista y una encarnación de la paz. Una vez finalizado, Guernica se exhibió en todo el mundo en una breve gira, convirtiéndose en famoso y aclamado. Esta gira ayudó a llamar la atención del mundo sobre la Guerra Civil Española.

Esta obra se ve como una amalgama de estilos pastorales y épicos. El descarte del color intensifica el drama, produciendo una calidad de reportaje como en un registro fotográfico. Guernica es azul, blanco y negro, 3,5 metros (11 pies) de alto y 7,8 metros (25,6 pies) de ancho, un lienzo del tamaño de un mural pintado al óleo. Esta pintura se puede ver en el Museo Reina Sofía de Madrid.

10. Eugène Delacroix, Liberty Leading the People, 1830

Donde ver la pintura: Louvre Museum (Paris)

Período: Romanticism

La libertad guiando al pueblo (en francés: La Liberté guidant le peuple) es una pintura de Eugène Delacroix que conmemora la Revolución de julio de 1830, que derrocó al rey Carlos X de Francia. Una mujer del pueblo con un gorro frigio que personifica el concepto de Libertad conduce a un variado grupo de personas hacia adelante sobre una barricada y los cuerpos de los caídos, sosteniendo la bandera de la Revolución Francesa, la tricolor, que nuevamente se convirtió en la bandera nacional de Francia después de estas. eventos – en una mano y blandiendo un mosquete con bayoneta con la otra. La figura de la Libertad también se considera un símbolo de Francia y la República Francesa conocida como Marianne. La pintura a menudo se confunde con la representación de la Revolución Francesa.

11. Claude Monet, Impression, Sunrise, 1874

Donde ver la pintura: Musée Marmottan Monet (Paris)

Período: Impressionism

Esta famosa pintura, Impresión, Amanecer, fue creada a partir de una escena en el puerto de Le Havre. Monet representa una niebla, que proporciona un fondo brumoso a la pieza ambientada en el puerto francés. Los tonos naranja y amarillo contrastan brillantemente con los vasos oscuros, donde poco o ningún detalle es inmediatamente visible para el público. Es un trabajo llamativo y franco que muestra a los barcos más pequeños en primer plano casi impulsados ​​por el movimiento del agua. Esto, una vez más, se ha logrado mediante pinceladas separadas que también muestran varios colores “centelleantes” en el mar.

12. Théodore Géricault, The Raft of the Medusa, 1818–1819

Donde ver la pintura: Louvre Museum (Paris)

Período: Romanticism

El tema representado es la interpretación dramática del artista de los eventos que comenzaron el 2 de julio de 1816, cuando una fragata de la armada francesa se estrelló en su camino hacia las colonias en África Occidental. El gobernador designado de la colonia y los oficiales de alto rango del grupo partieron en los seis botes salvavidas del barco y dejaron a los 147 pasajeros restantes para apiñarse en una balsa hecha apresuradamente. Cuando la balsa resultó demasiado engorrosa, en un horrible acto de cobardía y miedo, el líder del barco cortó las cuerdas de la balsa. Abandonados a valerse por sí mismos durante 13 días, los pasajeros finalmente recurrieron al canibalismo. Cuando fue rescatado por un barco británico que pasaba, solo quedaron con vida 15 hombres, de los cuales 5 murieron antes de poder llegar a tierra. Cuando el público se enteró de esto, se convirtió en una tragedia internacional y en una dura acusación contra el actual gobierno francés.

13. Gustav Klimt, The Kiss, 1907 to 1908

Donde ver la pintura: Upper Belvedere museum (Vienna, Austria)

El beso es probablemente la obra más famosa de Gustav Klimt. También es el punto culminante del Período Dorado del artista, que se caracterizó por el uso de pan de oro en su obra. Esta pintura es una en la que Klimt se desvió de su interpretación de la mujer dominante en la forma de una mujer fatal. En cambio, es la representación del amor y el arte, una pareja encerrada en un abrazo lleno de flores y motas doradas. Klimt era un hombre con un apetito sexual desenfrenado, ya que tuvo al menos 14 hijos ilegítimos. Se rumorea que Klimt y su compañero de toda la vida, Emile Floge, quien también se dice que era su amante, fueron los modelos de la pintura, que fue seleccionada para ser impresa en la moneda austriaca de 100 euros, acuñada en 2003.

14. Michelangelo, Creation of Adam, 1508 to 1512

Donde ver la pintura: Sistine Chapel (Vatican City)

La creación de Adán (italiano: Creazione di Adamo) es una pintura al fresco del artista italiano Miguel Ángel, que forma parte del techo de la Capilla Sixtina, pintado c. 1508-1512. Ilustra la narrativa bíblica de la creación del libro del Génesis en la que Dios da vida a Adán, el primer hombre. El fresco es parte de un esquema iconográfico complejo y cronológicamente es el cuarto de la serie de paneles que representan episodios del Génesis.

15. Dali, The Persistence of Memory, 1931

Donde ver la pintura: Museum of Modern Art (New York City)

Período: Surrealism

Los objetos duros se vuelven inexplicablemente flácidos en este sombrío e infinito paisaje onírico, mientras que el metal atrae a las hormigas como carne podrida. Dominando lo que llamó “los habituales trucos paralizantes de engañar a los ojos”, Dalí pintó con “la más imperialista furia de precisión”, dijo, pero solo “para sistematizar la confusión y así ayudar a desacreditar por completo el mundo de la realidad”. Es la clásica ambición surrealista, pero también se incluye una realidad literal: los lejanos acantilados dorados son la costa de Cataluña, la casa de Dalí.

Esos relojes flojos son tan suaves como un queso demasiado maduro; de hecho, representan “el camembert del tiempo”, en la frase de Dalí. Aquí el tiempo debe perder todo sentido. La permanencia va con ella: las hormigas, un tema común en la obra de Dalí, representan la descomposición, particularmente cuando atacan un reloj de oro, y parecen grotescamente orgánicas. La monstruosa criatura carnosa que cubre el centro de la pintura es a la vez extraña y familiar: una aproximación del propio rostro de Dalí de perfil, sus largas pestañas parecen inquietantemente como insectos o incluso sexuales, al igual que lo que puede o no ser una lengua que rezuma de su nariz como un gordo caracol.

16. James McNeill Whistler, Whistler’s Mother, 1871

Donde ver la pintura: Musée d’Orsay (since 2019), Louvre Abu Dhabi (until 2019)

Período: Realism

El tema de la pintura es la madre de Whistler, Anna McNeill Whistler. Está en poder del Musée d’Orsay de París, habiendo sido comprado por el estado francés en 1891. Es una de las obras más famosas de un artista estadounidense fuera de los Estados Unidos.

17. Claude Monet, Water Lilies, between 1840 and 1926

Donde ver la pintura: Metropolitan Museum of Art (New York City)

Período: Impressionism

Durante las dos últimas décadas de su carrera, Monet se dedicó resueltamente a pintar el célebre estanque de nenúfares que había diseñado y cultivado en su casa en la zona rural de Giverny. En un lienzo extraordinario tras otro, capturó las relaciones en constante cambio entre el agua, los reflejos, la atmósfera y la luz que transformaban la superficie del estanque con cada momento que pasaba. Si bien estas pinturas ahora icónicas afirmaron la creencia de Monet en la primacía de la visión y la experiencia, lo hicieron en un lenguaje pictórico que era completamente nuevo y transformador incluso para los estándares del nuevo siglo. Las primeras pinturas de la serie, más delicadas, etéreas y sobrias, fueron aclamadas de inmediato cuando Monet las exhibió en 1909. Los lienzos de Nymphéas de 1914 en adelante, en cambio, eran más grandes, más atrevidos y mucho más personales: la antítesis misma de el “llamado al orden” que se apoderó de las vanguardias durante y después de la Primera Guerra Mundial. Surgieron como autoritarios y visionarios solo dos décadas después de la muerte de Monet, cuando el expresionismo abstracto estadounidense triunfó en la escena artística internacional.

18. Grant Wood, American Gothic, 1930

Donde ver la pintura: Royal Academy of Arts (2017–2017), School of the Art Institute of Chicago (since 1930)

Período: Modernism

El gótico americano de Grant Wood, el retrato doble de un granjero con una horquilla y una mujer que comúnmente se presume es su esposa, es quizás la pintura más reconocible del arte estadounidense del siglo XX, un ícono indeleble de la cultura estadounidense y, sin duda, la obra de arte más famosa de Wood.

Wood buscó pictóricamente dar forma a un mundo de armonía y prosperidad que respondiera a la necesidad de tranquilidad de Estados Unidos en un momento de agitación económica y social ocasionada por la Depresión. Sin embargo, por debajo de su exterior bucólico, su arte refleja la ansiedad de ser un artista y un homosexual profundamente reprimido en el Medio Oeste en la década de 1930. Al representar sus ansiedades subconscientes a través de imágenes populistas de la América rural, Wood elaboró imágenes que hablan tanto de la identidad estadounidense como del alejamiento y aislamiento de la vida moderna.

19. Vincent Van Gogh, Cafe Terrace at Night, 1888

Donde ver la pintura: Kröller-Müller Museum (Otterlo, Netherlands)

Período: Post-Impressionism, Cloisonnism

Esta pintura de una colorida vista al aire libre es una obra pintoresca, la visión de un espectador relajado que disfruta del encanto de su entorno sin ninguna preocupación moral. Recuerda el estado de ánimo de Van Gogh cuando escribió que “la noche está más viva y con más colores que el día”. El color es más profuso y el ojo deambula por los bordes empinados o en forma de cola de milano de las áreas vecinas: formas irregulares encajadas entre sí como el diseño de un rompecabezas. Dividir este espacio durante mucho tiempo en un objeto grande y temas de fondo es difícil para los ojos; las partes distantes y más cercanas son igualmente distintas. El amarillo del café juega con el azul negruzco de la calle remota y el azul violeta de la puerta del primer plano, y, por una paradoja de composición que ayuda a unificar la obra, en el punto más fuerte de contraste la esquina roma del toldo más cercana. a nosotros nos toca el lejano cielo azul. Las líneas en escorzo que empujan en profundidad, como el dintel de la puerta, son estrictamente paralelas a líneas como la pendiente del toldo amarillo y el techo de la casa de arriba, que se encuentran en planos perpendiculares a la primera. Para esta visión errante y no comprometida, la dimensión ascendente no es menos importante y expresiva que la profundidad.

20. Pierre-Auguste Renoir, Bal du Moulin de la Galette, 1876

Donde ver la pintura: Musée d’Orsay (Paris)

Período: Impressionism, Modern art

Esta pintura es sin duda la obra más importante de Renoir de mediados de la década de 1870 y se mostró en la exposición impresionista de 1877. Aunque algunos de sus amigos aparecen en la imagen, el objetivo principal de Renoir era transmitir la atmósfera vivaz y alegre de este popular jardín de danza en el Butte Montmartre. El estudio de la multitud en movimiento, bañado en luz natural y artificial, se maneja con pinceladas vibrantes y de colores brillantes. La impresión algo borrosa de la escena provocó reacciones negativas de los críticos contemporáneos.

Esta representación de la vida popular parisina, con su estilo innovador y su formato imponente, signo de la ambición artística de Renoir, es una de las obras maestras del impresionismo temprano.