Las 20 Pinturas Más Famosas Del Museo del Louvre, París

Te tomaría alrededor de 200 días ver cada una de las 35,000 obras de arte que se exhiben en el museo si te tomaras 30 segundos para ver todas y cada una de las piezas. Por lo tanto, niood enumera las 20 pinturas más famosas del Museo del Louvre de París:

1. Mona Lisa, 1503-1506 – Leonardo da Vinci

Dimensiones: 77 cm x 53 cm
Ubicación: Louvre Museum (since 1797)
Año: 1503
Período: Renaissance
Sujeta: Lisa Gherardini
Medium: Oil Paint

La Mona Lisa es una pintura al óleo del artista, inventor y escritor italiano Leonardo da Vinci. Probablemente completada en 1506, la pieza presenta un retrato de una mujer sentada frente a un paisaje imaginario. Representada de manera similar a las representaciones renacentistas de la Virgen María, la pieza presenta una figura femenina, que la mayoría cree que es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de telas y sedas Francesco Giocondo, de cintura para arriba. Se la muestra sentada en una logia, o una habitación con al menos un lado abierto. Detrás de ella hay un paisaje brumoso y aparentemente aislado imaginado por la artista y pintado con sfumato, una técnica que da como resultado formas “sin líneas ni bordes, a modo de humo o más allá del plano de enfoque”. Su mirada es otra parte hechizante de la composición. Muchos creen que sus ojos te siguen por la habitación, lo que la convierte en una participante activa cuando la miran, en lugar de seguir siendo un objeto para mirar. Además de su apariencia misteriosa, su expresión ha resonado con más fuerza entre los historiadores del arte por su posible simbolismo, ya que muchos creen que es una “representación visual inteligente de la idea de felicidad sugerida por la palabra ‘gioconda’ en italiano”.

2. Liberty Leading the People, 1830 – Eugène Delacroix

Período: Romanticism
Año: 1830
Ubicación: Louvre Museum (since 2013)

Liberty Leading the People (en francés: La Liberté guidant le peuple) es una pintura de Eugène Delacroix que conmemora la Revolución de julio de 1830, que derrocó al rey Carlos X de Francia. Una mujer del pueblo con un gorro frigio que personifica el concepto de la Libertad conduce a un grupo variado de personas hacia adelante sobre una barricada y los cuerpos de los caídos, sosteniendo la bandera de la Revolución Francesa, la tricolor, que nuevamente se convirtió en la bandera nacional de Francia después de estos eventos, en una mano y blandiendo un mosquete con bayoneta en la otra. La figura de la Libertad también se ve como un símbolo de Francia y la República Francesa conocida como Marianne. La pintura a menudo se confunde con la representación de la Revolución Francesa.

3. La Balsa de la Medusa, 1818-1819 – Théodore Géricault

Dimensiones: 4.91 m x 7.16 m
Período: Romanticism
Ubicación: Louvre Museum
Medium: Oil on canvas

El tema representado es la interpretación dramática del artista de los acontecimientos que comenzaron el 2 de julio de 1816, cuando una fragata de la marina francesa se estrelló en su camino a las colonias de África Occidental. El gobernador designado de la colonia y los oficiales de alto rango del grupo partieron en los seis botes salvavidas del barco, dejando a los 147 pasajeros restantes para que fueran amontonados en una balsa construida apresuradamente. Cuando la balsa resultó demasiado engorrosa, en un horrible acto de cobardía y miedo, el líder del barco cortó las cuerdas de la balsa. Dejados a su suerte durante 13 días, los pasajeros finalmente recurrieron al canibalismo. Cuando fue rescatado por un barco británico que pasaba, solo quedaron vivos 15 hombres, de los cuales 5 murieron antes de que pudieran llegar a tierra. Cuando el público se enteró de esto, se convirtió en una tragedia internacional y una dura acusación contra el actual gobierno francés.

4. La coronación de Napoleón, 1805-1807 – Jacques-Louis David

Dimensiones: 6.21 m x 9.79 m
Período: 21 December 1805–November 1807
Medium: Oil on canvas
Ubicación: Louvre Museum (since 1889), Louvre Museum (since 1808)

“La coronación de Napoleón” de Jacques-Louis David muestra todas las miradas puestas en Napoleón y la corona. Él es el tema central de esta composición. Napoleón está de pie, vestido con túnicas de coronación similares a las de los emperadores romanos. La coronación de Napoleón como emperador que tuvo lugar el domingo 2 de diciembre de 1804 fue un magistral acto de propaganda.

Esta pintura, que es una gran pintura imponente de casi 10 metros (33 pies) de ancho por 6 metros (20 pies) de alto, fue parte del esfuerzo de propaganda. Napoleón quería establecer la legitimidad de su reinado imperial y nueva nobleza. Con este objetivo, diseñó una ceremonia diferente a cualquier otra en la historia de las coronaciones.

5. Las Bodas de Caná, 1563 – Paolo Veronese

Dimensiones: 6.77 m x 9.9 m
Ubicación: Louvre Museum
Año: 1562–1563
Medium: Oil on canvas

Banquete de bodas en Caná de Veronese combina elementos de varios estilos diferentes, adaptando la filosofía del colorito veneciano de Tiziano al diseño compositivo del Alto Renacimiento, ejemplificado por el trabajo de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. A esto añadió una o dos características del manierismo, así como una cantidad de rasgos alegóricos y simbólicos.

El contenido de la pintura también consiste en una mezcla compleja de lo sagrado y lo profano, religioso y secular, teatral y mundano, europeo y oriental. Representado en el gran estilo de la sociedad veneciana contemporánea, el banquete tiene lugar dentro de un patio flanqueado por columnas dóricas y corintias y bordeado por una balaustrada baja. A lo lejos se puede ver una torre porticada, diseñada por el arquitecto nacido en Padua Andrea Palladio. En primer plano, un grupo de músicos toca varios laúdes e instrumentos de cuerda. Las figuras musicales incluyen a los cuatro grandes pintores de Venecia: el mismo Veronese (vestido de blanco, tocando la viola da gamba), Jacopo Bassano (flauta), Tintoretto (violín) y Tiziano (vestido de rojo, tocando el violonchelo).

6. Juramento de los Horacios, 1784 – Jacques-Louis David

Año: 1784
Medium: Oil on canvas
Ubicación: Louvre, Paris
Dimensiones: 329.8 cm × 424.8 cm (129.8 in × 167.2 in)

Juramento de los Horacios (en francés: Le Serment des Horaces), es una gran pintura del artista francés Jacques-Louis David pintada en 1784 y ahora en exhibición en el Louvre de París. La pintura se convirtió inmediatamente en un gran éxito entre la crítica y el público, y sigue siendo una de las pinturas más conocidas del estilo neoclásico.

Representa una escena de una leyenda romana sobre una disputa del siglo VII a. C. entre dos ciudades en guerra, Roma y Alba Longa, y destaca la importancia del patriotismo y el sacrificio personal masculino por el propio país. En lugar de que las dos ciudades envíen sus ejércitos a la guerra, acuerdan elegir tres hombres de cada ciudad; el vencedor en esa lucha será la ciudad victoriosa.

7. La Encajera, 1669-1670 – Johannes Vermeer

Año: 1670
Ubicación: Louvre Museum
Período: Dutch Golden Age
Dimensiones: 24.5 cm × 21 cm (9.6 in × 8.3 in)
Medium: Oil on canvas

La niña está colocada contra una pared en blanco, probablemente porque el artista buscó eliminar cualquier distracción externa de la imagen central. Al igual que con El astrónomo (1668) y El geógrafo (1669), el artista probablemente realizó un estudio cuidadoso antes de ejecutar el trabajo; el arte de hacer encajes se retrata de cerca y con precisión. Probablemente Vermeer utilizó una cámara oscura mientras componía la obra: se pueden ver muchos efectos ópticos típicos de la fotografía, en particular el desenfoque del primer plano. Al mostrar áreas del lienzo fuera de foco, Vermeer puede sugerir profundidad de campo de una manera inusual en la pintura barroca holandesa de la época.

8. El Baño Turco, 1862 – Jean-Auguste-Dominique Ingres

Dimensiones: 108 cm × 110 cm (42 1/2 in × 43 5/16 in)
Ubicación: Louvre Museum
Medium: Oil on canvas glued to wood
Período: History painting, Genre art

El baño turco (Le Bain Turc) es una pintura al óleo de Jean-Auguste-Dominique Ingres. Representa a un grupo de mujeres desnudas en el baño de un harén y está pintado en un estilo muy erótico que evoca tanto el Cercano Oriente como estilos occidentales anteriores asociados con temas mitológicos. Pintado sobre lienzo apoyado sobre madera, mide 108 x 108 cm.

9. Muerte de la Virgen, 1602 – Caravaggio

Período: Baroque
Ubicación: Louvre Museum
Medium: Oil Paint
Dimensiones: 369 cm × 245 cm (145 in × 96 in)
Año: 1604–1606, 1602

La pintura recuerda el Entierro en el Vaticano de Caravaggio en alcance, sobriedad y naturalismo fotográfico. Las figuras son casi de tamaño natural. Mary yace reclinada, vestida con un sencillo vestido rojo. La cabeza colgando, el brazo colgando, los pies hinchados y separados representan una vista cruda y realista de los restos mortales de la Virgen. Caravaggio abandona por completo la iconografía utilizada tradicionalmente para indicar la santidad de la Virgen. En este cuerpo desechado no queda nada de la respetuosa representación que se encuentra en las pinturas devocionales.

10. Dante y Virgilio en el infierno, 1850 – Eugène Delacroix

Sujeto: Divine Comedy
Dimensiones: 281 cm × 225 cm (111 in × 89 in)
Año: 1850
Medium: Oil on canvas

La pintura representa una escena de la Divina Comedia de Dante, que narra un viaje a través del Infierno de Dante y su guía Virgilio. En la escena el autor y su guía contemplan como dos almas condenadas se entrelazan en eterno combate. Una de las almas es un alquimista y hereje llamado Capocchio. Está siendo mordido en el cuello por el embaucador Gianni Schicchi, quien usó el fraude para reclamar la herencia de otro hombre.

11. La Virgen De Las Rocas, 1483–1486 – Leonardo da Vinci

Año: 1483–1486
Type: Oil on panel (transferred to canvas)
Dimensiones: 199 cm × 122 cm (78.3 in × 48.0 in)
Ubicación: Louvre, Paris

La mayoría de los historiadores del arte consideran que la Virgen de las rocas en el Louvre es la primera de las dos y data de alrededor de 1483-1486. La mayoría de las autoridades están de acuerdo en que la obra es íntegramente de Leonardo. Es unos 8 cm (3 pulgadas) más alto que la versión de Londres. El primer registro seguro de esta imagen data de 1625, cuando estaba en la colección real francesa. Generalmente se acepta que esta pintura fue realizada para cumplir un encargo de 1483 en Milán. Se supone que esta pintura fue vendida de forma privada por Leonardo y que la versión de Londres se pintó en una fecha posterior para cubrir el encargo. Hay una serie de otras teorías para explicar la existencia de dos pinturas. Esta pintura se considera un ejemplo perfecto de la técnica “sfumato” de Leonardo.

12. “Las batallas” del río Granicus, 1669 – Charles Le Brun

Año: 1669
Type: Oil on canvas, 470 x 1265 cm
Ubicación: Musée du Louvre, Paris

Este gran lienzo forma parte de una serie de cuatro encargos de Luis XIV a Le Brun. Se trata de un cartón para un tapiz tejido en la fábrica Gobelins de París. El enfrentamiento final entre las tropas de Alejandro y las del rey persa Darío tuvo lugar en la llanura de Gaugamela, cerca de Arbela (en el actual Irak). Le Brun describió el momento en que, habiendo ganado los macedonios, Darius se prepara para huir en un caballo que le trajo un mozo.

13. La batalla entre el amor y la castidad, 1503 – Perugino

Ubicación: Louvre Museum
Año: 1503–1503
Medium: Oil Paint
Período: High Renaissance
Support: Canvas

El cuadro, sobre un fondo de suaves colinas, retrata una lucha entre las figuras simbólicas del Amor y la Castidad. El tema era similar a otros encargados para el studiolo. Entre las numerosas figuras mitológicas se encuentran Minerva, Diana, Venus, Anteros, ninfas, faunos y otros. Al fondo se representan varios episodios mitológicos que muestran la victoria de la Castidad sobre el Amor Carnal, como Apolo y Dafne, Júpiter y Europa, Mercurio y Glaucera, Polifemo y Galatea, Plutón y Proserpina, y Neptuno con la ninfa transformándose en cuervo carroñero.

14. La Virgen, Santa Ana y el Niño Jugando con un Cordero, 1519 – Leonardo da Vinci

Año: c. 1501–1519
Medium: Oil on wood
Subject: Virgin and Child with Saint Anne
Dimensiones: 130 cm × 168,4 cm (51 in × 663 in)
Ubicación: Louvre, Paris

La Virgen y el Niño con Santa Ana es un óleo inacabado de c. 1503 del artista renacentista italiano Leonardo da Vinci que representa a Santa Ana, su hija la Virgen María y el niño Jesús. Se muestra a Cristo luchando con un cordero sacrificado que simboliza su Pasión mientras la Virgen trata de contenerlo.

15. Minerva Expulsando Los Vicios Del Jardín De La Virtud, 1502 – Andrea Mantegna

Dimensiones: 1.6 m x 1.92 m
Ubicación: Louvre Museum
Año: 1502
Medium: Tempera
Período: Renaissance
Sujeto: Minerva

El triunfo fue el segundo cuadro pintado por Mantegna para el studiolo (gabinete) de Isabella d’Este, después del Parnaso de 1497. Representa un pantano encerrado por una alta valla, dominado por los vicios, retratado como figuras horribles e identificado por volutas en una forma típicamente medieval. La ociosidad es perseguida por Minerva, quien también está rescatando a Diana, diosa de la castidad, de ser violada por un Centauro, símbolo de la concupiscencia. Junto a Minerva hay un árbol con rasgos humanos. En lo alto del cielo están las tres virtudes morales primarias requeridas para perfeccionar las facultades apetitivas: Justicia, Templanza y Fortaleza.

16. El Concierto Pastoral, 1509 – Titian

Ubicación: Musée de Louvre, Paris, France
Dimensiones: 105 x 136.5 cm
Año: 1509–1509
Medium: Oil on Canvas
Período: Renaissance, High Renaissance, Italian Renaissance

La gran pintura del Louvre titulada Concierto pastoral (también la Sinfonía pastoral y la Fête champêtre) es misteriosa tanto en significado como en autoría, pero ha sido una de las pinturas más influyentes en el museo, particularmente en pintores del siglo XIX que vino a París a verlo. Se ha atribuido al más grande de los pintores venecianos, Tiziano, así como a uno de sus maestros en Venecia, Giorgione (se atribuyó por primera vez a Giorgione en 1671). Los eruditos han ido y venido a lo largo de los años en sus opiniones sobre qué artista pintó la escena, pero recientemente la marea ha favorecido a Tiziano como la mano responsable de la obra en un punto bastante temprano de su carrera (Tiziano continuaría pintando durante más de sesenta años). años después de finalizado el Concierto Pastoral). El lienzo en sí no se limpió durante muchos años, por lo que en las fotografías aparecerá con un tinte amarillento. Sin embargo, cuando se completó la pintura a principios del siglo XVI, lo más probable es que los colores fueran mucho más vibrantes y distintos.

17. El rapto de las sabinas, 1637–1638 – Nicolas Poussin

Dimensiones: 1.59 m x 2.08 m
Ubicación: Louvre Museum
Subject: The Rape of the Sabine Women
Año: 1637–1638
Medium: Oil Paint
Período: Baroque, Classicism

La segunda versión de Poussin, titulada El rapto de las sabinas, es esencialmente una recreación de su obra original y probablemente se completó alrededor de 1637-1638. La ambientación arquitectónica de esta obra está más desarrollada que en la original. Esta pintura reside actualmente en el Museo del Louvre en París. Según el Louvre, pintar múltiples versiones de un tema no fue raro a lo largo de la carrera de Poussin.

18. San Francisco de Asís recibiendo estigmas, 1295–1300 – Giotto di Bondone

Ubicación: Louvre Museum
Subject: Saint Francis of Assisi
Año: 1295–1300
Medium: Tempera and gold on panel
Período: Renaissance, Italian Renaissance, Italian Renaissance painting

San Francisco recibiendo los estigmas es una pintura sobre tabla al temple del artista italiano Giotto, pintada alrededor de 1295-1300 para la Iglesia de San Francisco en Pisa y ahora se encuentra en el Museo del Louvre en París. Muestra un episodio de la vida de San Francisco de Asís, y mide 314 cm de alto (hasta la parte superior del triángulo) por 162 cm de ancho. Está firmado OPUS IOCTI FLORENTINI (“Obra de Florentino Giotto”).

19. El tahúr del as de diamantes, 1635 – Georges de La Tour

Dimensiones: 1.06 m x 1.46 m
Ubicación: Louvre, Paris
Año: 1635–1635
Medium: Oil on canvas

El tahúr del as de diamantes es una pintura al óleo realizada alrededor de 1636-1638 por Georges de La Tour. Ahora se encuentra en el Louvre, que la compró en 1972. Aunque se desconoce su comisario, está firmada por Georgius De La Tour fecit bajo el codo del afilador de cartas ya la sombra del mantel.

La obra representa un juego de cartas en el que el joven adinerado de la derecha está siendo despojado de su dinero por los otros jugadores, quienes parecen ser cómplices del plan. El afilado de la carta de la izquierda está en el proceso de recuperar el as de diamantes detrás de su espalda.

20. El prestamista y su esposa, 1514 – Quentin Matsys

Año: 1514
Ubicación: Louvre, Paris
Dimensiones: 70.5 cm × 67 cm (27.8 in × 26 in)
Medium: Oil on panel

Un hombre, que está pesando las joyas y piezas de oro en la mesa frente a él, se sienta junto a su esposa que lee un libro de devoción con una ilustración de la Virgen y el Niño. La pareja no está vestida como miembros de la nobleza, sino como burgueses acomodados de Amberes, donde se realizó la pintura. En ese momento, Amberes había crecido con la afluencia de muchos inmigrantes del sur que huían de la Inquisición española. Entre esta comunidad internacional había una demanda de cambistas y prestamistas, ya que el comercio internacional aumentaba en la ciudad portuaria.